其实故事没什么好说的,要说歌舞片,即便是斯皮尔伯格,和印度来比较,还是有点距离。
大概是本身对歌舞片没什么感觉吧,这种一言不合就飙歌的桥段,实在有点膈应。
来看看故事,说穿了就是两帮街头混混相互不对眼,以至于要一决高下。
其实倒是感觉故事里头的警探说的蛮对的,在这个拆迁进行时的地方,还有心思“争地盘”,实在太过于短视,有这闲工夫,干点什么不好呢。
当然,故事主要还是说的罗密欧与朱丽叶的故事。
虽然两大“帮派”吵得不亦乐乎,但不妨碍两大“帮派”里头出现了一见钟情。
说起来男主也是个口是心非的主儿,一方面想着洗心革面好好做人,但一方面又禁不住诱惑。
说好不去的舞会,也没人拿刀架着他的脖子,他还是去了,这不,惹出麻烦了吧。
那边厢,两大“帮派”逮到机会就掐。
这边厢,罗密欧与朱丽叶上演爱情大戏。
看着看着,就有点格格不入。
大概是翻拍片的尴尬吧,当年的老桥段放到当下,本身就有点格格不入,如果改编吧,好像又不能忠实原著。
斯皮尔伯格有这个资格情怀一下,这或许就是当时那个时代。
两大“帮派”的争斗,最终是两个老大命丧当场,说起来也是奇怪,老外之间掐架,老大抢在前头,一点领导艺术也没有。
不出意外的,男主角杀了女朋友的哥哥,把这段“孽缘”搞得更加稀里糊涂。
眼看着闹出了人命,当时放狠话的混混,一个个傻了。
倒是当年的备胎,虽然看起来技术宅一个,但关键时刻还能挺身而出。
这也算是相当的讽刺了,一帮乌合之众,打嘴炮无敌,关键时刻只会掉链子。
故事的结局,还是蛮不错的。
这样摇摆的男主,死了也就死了。
奇葩的是女主角,当真是心大。
那边男主刚杀了自己的老哥,这边欢欢喜喜的和“杀哥仇人”欢快的赶时间滚了个床单。
最后,还是看看当年的老美吧。
万国旗也随风飘扬。
其实两个“帮派”之间的争斗,大概源于“我是先来的”。
那些老白们,在“摒弃”外国人的时候,大概忘记了自己是“怎么来的”。
那么晚还不睡,是的,说明我今晚high 爆了[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑],本着不看评分和“影评”,作品好不好,自己撸片自己说的算的觉悟,今晚撸了《西区故事》。
为啥不先撸1961,要先撸2021,是因为我知道杰罗姆·罗宾斯会更贴近原作,毕竟他百老汇出生,舞蹈本行对于我来说,很容易理解,最好的状态一定要留给最难的(虽然2021评分最低[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑])--1961:确实最“尊重原作”,更舞台化。
2021:更电影化,空间调度很赞,行云流水,过瘾的很,(电影化的优势)史蒂文·斯皮尔伯格的强项。
这次斯皮尔伯格在尊重原作的基础上,结构,顺序,方法,立场,对原作的解读,都做了“很多”的改动。
(很冒险,毕竟西区太经典,原著党能不能接受是一回事,对于想看到新东西的老观众,要提供什么样的细节,和角度),说实话,斯皮尔伯格做的很好,并且更好,解读更丰富了。
其实,都是西区,同一个故事,但是,说的确实是一个60年故事的“延续”,从前的他们,“教会”了我们?
还是从前的他们,教会了我们!
1.最直观的,从舞蹈语汇上来说,1961和2021表达的意思是不完全一样的,2021融入了更多的舞种元素来表现美国多样化,和更多的现代舞来做内心表达。
2.配乐更丰富了,途中我还在思考斯皮尔伯格把配乐改的那么“复杂”,是因为现在的孩子们接受信息,和感知的能力更快更丰富吗?
3.两个版本对“移民者”和“本地”,“困境”的解读都不太一样,细微之处导致整个影片的内容有很大的“差别”。
4.1961更直白,斯皮尔伯格把这些矛盾放的更大,有些不好说的话,却又更隐蔽了,希望能让人快速捕捉到,“却又不想被人捕捉到”。
5.斗舞部分,我个人最喜欢1961,毕竟斗舞嘛,罗宾斯解读更专业点,斯皮尔伯格在“舞”这块,从开始第二段舞蹈换成“地盘圈舞”到结束,构思和对“舞”的理解和表达,也是没问题的,我个人是接受和明白的(其实,他这个版本更容易懂。
)6.重唱的电影化,节奏把握也是斯皮尔伯格的最好,重唱对于歌剧,音乐剧,歌舞剧来说真的太重要了。
(重唱是每个作品中,我最期待和最重视的段落)7.斯皮尔伯格用心了,60年了,(美国,世界)进步了多少,拥有了多少,这种(更多的)隔膜还在,反而更变本加厉了(相对论?
),哎,用心了。
温馨提示:这片如果真的看太久,不太记得了,我建议两部连着刷,不然斯皮尔伯格有些“弱剧情”处理,真的会解读错误的。
(有时候,剧情弱,可能是我们自己的问题[抠鼻][抠鼻][抠鼻])。
最后,歌舞剧电影化,不得感叹光影的魅力真的太大了[哇][哇][哇]
没有看过原版,英文勉强过关跑影院看的。
非资深影迷,主观写评。
电影的爱情线好听点说有点过于戏剧性和理想化,看到Maria跟她悲痛欲绝的嫂子唱I love him I love him时整个人懵了,转身就跟朋友说了句这剧情好迷。
除此之外,男女主塑造单薄,尤其男主文艺青年气质太盛完全看不出他曾是个每日除了在痛苦和迷茫中吃喝唱跳就是等死的街头混子,关键这种气质还不是一句i am a different person now能改变的——你能想象Riff对着一个女生一见钟情二见倾心然后在浪漫夜月踏波独舞深情地一遍遍高呼MariaMaria吗?
对他们这种人改过自新需要过程,因为安全感的缺失、与正常生活的脱轨再加上疯癫惯了的恶习,需要一个艰难的自我和解的过程。
在此提名Riff,非常亮眼,每一个动作和表情都富有张力,站在那里就能感觉有情绪宣泄而出。
从他和Bernardo的戏份就能看出,两个帮派间的相互敌视不只因种族对立还有更复杂的揉杂其中,Jets象征旧美利坚青年被原生家庭所缚、深陷于酗酒和暴力的麻痹、绝望,Sharks则代表着新美利坚满怀希望、充满干劲,甘愿跨越重洋努力生活却饱受歧视和不公的新一代移民,影片中两者有所对比:Jets每次出场的背景色都偏黯然阴郁,冷色调的衣服,他们在警局用夸张谐谑的手法自嘲自己是废物的那一段虽然滑稽——但相较于Sharks总衣着鲜艳的暖色,还携眷在阳光普照的街道歌舞,在抱怨着生活苦难嘴臭的同时但仍憧憬未来——却仍是悲剧内核,荒诞的悲剧。
互相羡慕导致互不理解、再导致互相敌视互相折磨的悲剧。
Riff被刀捅时神情一怔,在转瞬即逝的害怕的颤栗中嘴角带笑说的那句:“It’s ok, it’s ok.”,看得我如鲠在喉,说不出的难受。
男女主的爱情线撑不起来,太完美太单纯,撑不起那种矛盾的对立感和两者之间跨越隔阂互相救赎之感,男主Tonny在影片中就是个不谙世事满嘴情歌的罗密欧——这种诗意的角色只能被华丽辞藻的莎士比亚戏剧赋予灵魂,跟背景的西城有很强的割裂感——在陀思妥耶夫斯基的小说里演怦然心动,你不领盒饭谁领盒饭?
这直接导致后期看点不强,主题陷入俗套,结束后盯着黑屏很久直到弹出导演名称灯亮了才察觉到已经观影完毕,第一反应:就这?
第二反应:好拉啊,你强行升华下也行啊。
但整体来说,还是值得一看的。
非专业角度来讲,影片里歌唱得很好听,每段跳舞的片段色彩碰撞、镜头流畅表现力极强,尤其是Tony和Riff边抢枪边唱Crazyboy的那段。
以上。
西区故事 (2021)6.02021 / 美国 / 剧情 爱情 歌舞 犯罪 / 史蒂文·斯皮尔伯格 / 安塞尔·艾尔高特 瑞秋·齐格勒身为一名五音不全在KTV只会唱《悟空》的大叔,对于歌舞片本身就不太感冒,所以,看过的歌舞片屈指可数!
有点记忆的大概是《妈妈咪呀》、八十年代的《霹雳舞》,好像还有一部描写高中生的爱情故事的啥歌舞片,名字忘了。
总而言之,言而总之,对歌舞片不太感兴趣,但是记忆中的歌舞片基本都是热热闹闹、欢欢喜喜以爱情为主线的大团圆套路,当然,不包括阿三的电影啊,人家每部电影都是歌舞片!
但是本片却是另辟蹊径,虽然也是以爱情为主线,但是是个悲剧,虽然也是热热闹闹,却是不欢而散!
看完查了一下资料,原来是大导演斯皮尔伯格翻拍自五十年代的舞台剧,也不知道舞台剧的故事是不是这样,反正大导演的眼光总是比我们常人更独到吧!
简单说一下剧情!
---我是分割线---故事说的是50年代的美国哪个城市的“西区”,应该就是贫民窟,一帮波多黎各人(我也不知道他们是什么人种,电影里感觉不黑不黄的,反正不白)和白人(也是社会最底层的白人)争夺底盘的故事。
说巧不巧,白人里的老大的兄弟和波多黎各老大的妹妹,在一次舞会上一见钟情,两人就开始暗度陈仓。
结果在两帮人一次约架的过程里,波多黎各人的老大捅死了白人的老大,然后白人老大的兄弟,也就是和波多黎各老大妹妹有一腿的这家伙又捅死了波多黎各的老大!
然后这家伙逃亡后先去和波多黎各老大的妹妹睡了一觉,然后又躲了起来。
这个时候,波多黎各里有一个喜欢他老大妹妹的人捡了案发现场的一把手枪,在到处找白人老大的兄弟。
这个时候,老大的妹妹竟然说服了老大的媳妇,让她去通知她的杀夫仇人也就是她小姑子的情人那个白人。
说到这里应该插一句,片中所有波多黎各的对话都没有翻译也没有字幕,我开始是以为我下载的版本或者说字幕版本的问题,后来查了一下,竟然是斯导故意不翻译的,就是让大家听不明白的!
但是后来这一段,虽然没有翻译,我应该是搞明白了!
她小姑子让她去通知小白脸等她,她要和他私奔!
结果,嫂子去了他们白人的地盘,差点被这帮白人小子轮J,于是她改口说,她小姑子已经被那个波多黎各人枪杀了!
导致小白脸万念俱灰,孤身寻找那个有枪的波多黎各人,当然,最终如他所愿,那个波多黎各人找到了小白脸,并且干掉了他!
最终抢手伏法,故事终!
--所以说,故事情节里有诸多的不合理,据说本片翻拍的舞台剧,比较忠于原著,也许是老外的三观和我们国人差异太大吧!
但是有一点,片中的波多黎各的女人和白人,虽然都是社会最底层,一帮情节女工,一个小混混,人家还有觉得美国好美国秒美国呱呱叫!
这大概是老美的文化自信吧!
我相信,我们大国崛起,自信心也是越来越强,待我们完成了中国梦,相信我们的中国特色社会主义道路自信、理论自信、制度自信、文化自信 也会深植与我们内心的吧!
说说表演的话,反正都不认识!
单说演技,乃至于颜值都不尽人意!
但是,作为歌舞片,那个载歌载舞确实很潇洒帅气,比阿三的一言不合就跳舞有过之而无不及!
推荐指数⭐️⭐️⭐️
剧本:和1961版电影相比,剧本的基本结构没动,只是增加了一点文戏,丰富了人物背景,为了更好地电影化,虽然时长没变,但新版感觉更紧凑,叙事节奏更好。
故事还是那个罗密欧与朱丽叶的故事,完全看不懂的爱情和莫名其妙死掉的人,这一点不管老版新版电影音乐剧都一样的蠢。
文戏有30%的对白是西语,并且特地没有打字幕,斯皮尔伯格说目的是为了让观众体验听不懂的感觉。
我假设内容应该不影响剧情,但还是会出戏,听不懂的自然反应嘛,反正我对这一操作是非常迷惑的...... 歌舞:歌曲顺序恢复到基本和原版音乐剧里相同,更加合理顺畅,老版电影里改掉的歌词都还原了,比如“Womb to tomb. Sperm to worm.”,听了这么多年的歌依然如此好听。
新版我最爱的就是舞蹈部分,America本来就是我最喜欢的一首歌,这次的编舞更是观赏度爆表,其他几场大型歌舞戏Prologue,Jet Song和The Dance at the Gym也都是大师级的场面调度,剪辑也很好,最后出来的效果就非常有感染力。
在此必须要赞美一下新版电影的编舞Justin Peck和摄影师Janusz Kamiński!
服化道布景一流,画面美得不得了。
表演:Riff叛逆,但是仗义忠诚,做事果断,Mike Faist演得很好,还比以往更多了点狠劲,我最喜欢他买枪的那场戏,太帅了,Mike的歌舞自然是不在话下,他声音亮,唱Jet Song的时候还带有一点点贱,很符合个性。
老版我最喜欢的角色是Anita,Ariana DeBose诠释得也很好,不管是唱America时候飞扬跋扈的样子,还是被Jets羞辱后倔强不屈的样子,都很抓人。
Bernado就是个愣头青,我最喜欢吃早餐那场戏,他被Anita怼到结巴的样子太好玩了,David Alvarez演得很可爱,他和Ariana的化学反应超棒,满眼爱意,以及David舞真的跳得非常好!
最爱的三个演员 ,Tony两个提名一个得奖都不是盖的。
然后就是我最无感的男女主,因为剧情原因,这两个角色就已经立不起来了,Rachel Zegler胜在歌唱得好,傻白甜少女Maria,最后情感上需要一些爆发力也能出得来,但是Ansel Elgort就真的是演技稀烂到被所有人吊打,融不进感情还很油腻,最后一场本应该很痛苦的戏看得我都快笑场了,每一首对唱歌曲都被Rachel吊打,和Mike斗舞也被全方位吊打,简直不是一个级别的,不是说当年收了几万盘audition tape,就选出这样的男主角?
非常好的电影被Ansel Elgort搞塌了一半,更不要说他后面的丑闻了。
据说演员工会看片后非常喜欢,感觉BP提名概率还挺高,BD不一定因为竞争很激烈,我个人觉得如果要提表演奖项的话,应该给Ariana DeBose提女配,Mike Faist提男配,Rachel Zegler提女主还是差了点意思。
《西区故事》是一部经典的歌舞片,通过讲述两个不同族群的年轻人之间的爱情故事,展现了现代社会中的种族矛盾和年轻人的成长与追求。
影片以现代歌舞的形式展现了年轻人的生活和情感状态,通过优美的舞蹈和动人的音乐,让观众感受到了年轻人的热情和活力。
同时,影片也通过年轻人的成长经历,展现了现代社会中的种族矛盾和年轻人对自由和爱情的追求。
影片中的角色形象鲜明,他们都是充满个性和追求的人。
他们通过自己的努力和奋斗,展现了现代年轻人对生活的态度和对未来的追求。
他们的经历让我们深刻地感受到了年轻人的成长与追求。
影片的叙事手法也非常出色,通过细腻的镜头语言和音乐,将观众带入了一个充满现代气息的世界。
影片中的每一个细节都充满了现代感,让观众在观看过程中不断产生共鸣。
《西区故事》是一部非常出色的电影,它通过深入探讨现代社会中的种族矛盾和年轻人的成长与追求之间的关系,让我们对现代社会有了更深入的认识。
这部电影不仅是一部视觉与听觉的盛宴,更是一部能够触动人心的作品。
一句话,如果还没看过这部电影的,就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。
是我大意了,真的。
我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天,是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。
但是我忘记了,音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。
当初拍什么像什么的伊斯特伍德,因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。
何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。
当然了,这个电影表现力不佳,也不完全就都由斯大师背锅。
那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定,来简单聊两句,在21世纪,该如何翻拍一部musical?
1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一,在上个世纪中期曾经非常受欢迎。
那个时候电视还没有在普通家庭得到普及,看电影要专门去电影院,某种程度上,这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。
那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调,音乐片,虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多,艺术嘛,总是要高于生活,而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受,大家会欣然买账。
于是,很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来,与当时如日中天的音乐舞台剧一道,从有声电影产生初期一路火到了60年代。
观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代(R&H什么的,横跨百老汇与好莱坞)。
后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展,音乐剧挣扎过一段时间后,随着流行文化的变化,开始有更多曲风,民谣、摇滚、说唱,也开始出现小清新的舞台,更加自然平时的艺术风格,但是不论如何,因为音乐剧始终是高度“舞台化”的,观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。
但电影就不一样了,大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术,有着无限趋近于真实的场景,天然就有让观众信服的义务。
所以,一部真人歌舞电影,怎样做才能让观众“不出戏”,就变成了重要的命题。
基于我上述论点,相信大家不难理解,为什么动画片做歌舞片就要容易许多。
事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。
而原创的真人歌舞片越来越少,近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角(当然了,歌舞的创作成本较高且涉及跨界,大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段),而且这类影片大多看起来“非常复古”。
近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了,下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部,但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。
再往前数,恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了,凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎,获得了口碑与票房双丰收,在多年后反向输出到舞台,有了自己的改编音乐剧。
但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》,而后者则是对经典舞台剧的翻拍。
而在华语影坛,凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。
可见这个品类,放在今天,并不好驾驭。
除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片,大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记,或者音乐舞台剧的翻拍。
好处在于,当电影创作时,你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP,有了剧本的蓝本(注意,改编电影时剧本仍要进行再创作,但是毕竟是改编,而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的),还可以在相关跨界领域寻找演员(音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版,有些还自带名气)。
而挑战则是,原始素材可能已经过分深入人心,而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。
个人见解,一部音乐舞台剧要翻拍成电影时,挑战最大的主要是三方面:音乐、镜头和舞蹈。
这么说似乎有点多余哈,音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素,而镜头设计则是电影艺术的灵魂所在,但是,当艺术形式转化时,最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。
关于音乐,有些musical可能没有那么看重舞蹈,但是所有的musical都一定非常重视音乐。
电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重?
选择什么样的编曲风格?
更重要的是,和电影的整个声音部门怎么配合?
一部影片往往有比较统一的风格设计,当重要的歌曲唱段响起的时候,我们会进入情绪性段落,听角色唱歌抒情,但是在叙事的主体段落呢?
在歌曲的间隙呢?
在黄金年代,一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团(full-orchestra)将曲谱满铺整部影片,但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了,当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景,我们可能会期待更真实自然的环境音,会希望配乐能够低调一点,而不是时刻彰显自己的存在感。
而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。
很多时候,作为一部21世纪的新作品,导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格,以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。
我举个例子,上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎,所以该片在art design(服化道美术)上要营造出那个年代的氛围感,但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素,不论歌词、曲风、配器、演唱技巧,以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。
我再举个不那么成功的例子,著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事,但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的,韦伯把曲谱写得非常古典,编曲却又混杂着大量80年代midi风,该剧至今仍在上演,风格也相对固定了下来。
结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候,电影导演不太敢动原作的音乐风格,韦伯自己写了首相对风格与时俱进一点的新歌,却融不进原剧,只能放片尾字幕的时候放。
显然,原曲谱越古典,和当下流行风格的gap越大,改编难度也就越大。
2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候,因为坚持所有演员现场演唱收音,差点儿扑街,勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱,但是好在,没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。
那么回到2021版《西区故事》,西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱,这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法,只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙,用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去,而这些,让我觉得影片节奏无比冗长,戏剧张力大大减弱。
关于镜头设计和编舞我放在一起说。
简单讲,一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧,就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。
这个门槛并不低。
漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”,而是组成叙事不可或缺的一部分。
而在舞台上,因为观众的“观看”(observation)是相对客观/外在的,可以说,大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。
但是到了电影中,在一个更加灵活、流动的空间内,我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景,就构成了全新的叙事,again,因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏,而我们在看歌舞的时候,特别是宏大的舞蹈场景,一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在,但是又不能真地放弃“选择”和“引导”,舞蹈场景的机位怎么运动,就成了特别的难题。
有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分,比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落,感觉就像一般的故事片,which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。
当然,同样的舞蹈动作,在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的,一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》,舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”舞蹈动作直接搬到了海岛实景中,让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默,而是让人觉得他们都是神经病。
我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。
正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》,虽然是音乐剧的改编版本,所有编排调度却大不相同,既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵,是很难的,而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说,如果2021版《西区故事》有哪里可取,就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。
看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的,因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度:高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈,是很难做出这样的调度与镜头设计的。
可惜,一切美好的幻想在男主出场后就破功了( ̄◇ ̄;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么?
是卡司,是卡司,还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影,也完全不了解剧情梗概的观众,仍然会在影片相对靠前的位置(最迟到舞会那一场戏)就了解到,这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”的故事。
到了故事的结尾处,主角们可能像莎剧原作中一样,全死去,也可能作了新的编排,但是相信我,观众不是来看剧情的。
结局不是悬念,或者至少不重要。
这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。
名著的一部分,就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。
这些角色是观众熟悉的,而且他们带着非常强的前设。
所以每一版翻拍作品,在宣布卡司的一刹那,就已经锁定了影片的最大悬念:这几个演员演绎这些角色怎么样?
是否有说服力?
是否赏心悦目?
很多时候观众心甘情愿掏钱花时间,是为了看明星:like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么?
狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让?
我不同意!
”不管赞美还是吐槽,看了再说,因为卡司引发了我足够的好奇心。
不是明星也可以,我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司,大家主要会从三个角度去评价演员的演绎:唱功(包括舞蹈技巧)、演技和扮相,就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。
这三点,缺一不可,特别是主角,如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。
2021版的《西区故事》给我观感如此之差,选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演,上哪儿挑了这么离谱俩男女主?
Tony像个木头人一样让人出戏,Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女,俩人的爱情戏何止不convincing,完全让人尴尬。
要知道,这种爱情故事,最重要的就是男女主角之间的化学反应,如果没有,整部影片就会变得滑稽。
特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段,就更难演绎。
当然本剧男主不仅爱情戏演得不好,跟哥们儿的情感也完全看不出来,已经到了他出现我就想快进的地步。
至于子弹姐的Anita,确实塑造得非常有魅力,但是也不值得单为了她看一遍这部电影,这么说吧,Anita这个角色写得就比较讨巧,历届都是谁演谁得奖,虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist,但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好,而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片(饰演Valentina),还贡献了一首新歌,但是有点强行加戏了我也不太买账。
剩下的演员基本都是舞台剧演员了,想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频,包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James,是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊?
3、精英话语权的削弱与“美国式说教”作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影,2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政|治色彩,而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。
种族矛盾和冲突,从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺,从未停止过。
时至今日(2020年代),这一问题不仅没有得到解决,反而随着【母语为西语的人群】(美国式political right lol)在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧,变得越来越尖锐,美国“人民”不是越来越团结,而是越来越撕裂。
影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争背后的真实推动力,不是种族仇恨,而是经济利益(“It's not about races; it’s about terrirories.” ),并且,把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒(提示:50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区,但是林肯中心马上要建起来了,以后就是你们都高攀不起的地段了……)当然,可能故事里的秩序代表者(警官)会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力,酗酒、吸毒、游手好闲,没送他们去受良好的教育,而我们都知道,在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。
但是不管怎么说,这样的问题,点到为止就好了,观众明白了就明白,不明白就算了,到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性?
本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner,这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人,而且他的剧本改编能力并不差,至少他是非常witty的。
我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的,不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了,愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏,就讲道理,不讲感情。
斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟,虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的,但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了,现在是2020年代了,做一部主流商业电影,你不可能让所有观众都满意。
6.5分。
首先声明,我没有看过原版电影,所以其中一些梗和隐喻无法读懂。
看完全片,我脑袋里冒出了两个词,荒诞。
但如果说这部电影改编自60年前的电影,剧本和故事线差不多的情况下,那么这个故事其实是说的下去的,至少在60年前的美国电影。
非常经典的罗密欧与朱丽叶电影。
斯皮尔伯格已经75岁了,以他的履历和成就,我想他愿意在这个年龄还去翻拍一部电影,很大程度上是为了圆梦。
这部电影已传统百老汇歌舞塑造了一场视觉奇观,其中最好的一部分应该是去打群架路上的一点歌舞,蒙太奇和歌舞将不同时空的人物的故事和心情串联在一起,应该是全片最佳小片段。
还有参杂在电影中的一些西班牙语,因为没有翻译所以没听懂,对观影有些影响。
这是个极其简单又极其经典的剧本和叙事。
即使放到如今来看依旧不腻,只是其中人物的情感和叙事跳过了缓冲期,似乎一直保持在一个状态,没有爱恨纠缠的感觉让整部电影黯然失色,透过银幕我只看到了为爱痴狂的恋人和为兄弟不惜插别人一刀的好兄弟,所以我认为整部电影在情感线上的塑造是失败的,我几乎没有看到男主女主的情感变化,似乎一切都是提前设定好的。
这点不好,至少是有违常理的。
同样是奥斯卡提名电影,我想说,这部电影比之前的《爱乐之城》还是有些差距的,同样是一个爱情故事,但爱乐之城通过四季和歌舞的表达,传达出角色们不同的情感起伏,以情感和歌舞推动叙事,这点真的是完胜。
所以我想《西区故事》应该是无缘本届奥斯卡最佳影片。
这部电影更多程度上是圆老爷子一个年轻时的梦。
斯皮尔伯格继2018年《头号玩家》之后再次担任导演《西区故事》改编自1957年的百老汇音乐剧,本片亦有不少百老汇歌剧演员加持。
歌舞虽多,但不乱,而且歌曲很好听,两个多小时里一点儿不会厌倦。
本片主角虽是新人,但整体演技尚可,女主角拿到金球奖亦是证明。
剧情层面,无论是黑帮犯罪还是爱情悲剧,都是为了突出一个主题,即“种族问题”。
所以,这也造就了这部电影更加偏文艺的风格。
斯皮尔伯格的导演能力深厚,如此多的歌舞片段,加上要通过顺畅和有感染力的剧情将核心主题展现出来,以及爱情、犯罪、歌舞等多种元素交织在一起,整部片子却很有序,两个多小时也不会让观众厌倦,真的很不错。
第一次连着看一部片子的旧版和新版 六十年就在一夜之间 感觉很有意思 可能是因为已经知道故事甚至具体桥段 并且可以把两版放在一起比较 可以更好的去感受/揣测创作者更深一层的表达总的来说是更喜欢这版(一大主观原因大概是因为对音乐熟悉了 所以觉得歌曲都很上头)但还是给3.5🌟(给个四星因为6.7实在有点低)六十年过去了有点进步总是应该的吧 原版给人的剧院/舞台感很强 运镜比较僵硬 这版显然运镜更活泼些 &这版真的很努力地在好好讲故事(虽然这故事emmm依然老套)/塑造角色 女性群像很精彩 特别是白发苍苍的原版Anita作为另一个重要人物出现在剧中 故事整体上更流畅自然 但有时候又觉得讲的太多了 少了些留白的趣味 比如Tony入狱的事情反反复复拿出来说 却把他深情描述自己一直在reach out to sth那段弱化了 总是感觉在叙述他为什么要离开jets的原因时少了些朦胧的美感刚开始看的时候其实心态有点崩 一是riff和tony的选角实在太糟糕(其实整个的casting都感觉没有原版好)二是第一场打戏过于突兀而沉重 这一个部分原版在我心里要远远好于这版 原版中两个gangs本没有要打架 但是因为两个小娄娄手贱一定要去挑衅对方才打了起来 更有小孩子之间打闹的幼稚感 而这个故事给我的感觉就应该是讲年轻人的不成熟如何成为了仇恨的温床 最后酿成了灾难 无论它是否是在嘲讽仇恨多是不成熟的 这个不成熟的部分都很重要 后面的打戏也没有特别喜欢 总是一下就打的太激烈 后面一个比较喜欢的改变是i feel pretty放到后面和大决斗做parallel 乐景衬哀情 比前一版有味道(不过本来就很喜欢这首歌就是了 最后的结尾其实还是更喜欢原版 那个路灯做spotlight好有感觉 这版女主的演技也没撑起来其实电影本身就这样吧 但是比较跨越六十年的两个版本挺有意思的 以及因为是和住家外公外婆一起去看的 观影体验比较unique 听说旧版火的时候住家外婆才25 她现在都85了 很难想象60年后我如果看到现在喜欢的片子翻拍的新版会有什么感受
編舞不錯,最喜歡Mike Faist, Ariana DeBose, Brian d'Arcy James,可惜Ansel Elgort是屎詩級的miscast,又是哪個Nepo baby?
再牛的导演也免不了要拍几部烂片。《罗密欧与朱丽叶》改成现代版之后剧情完全散架无法信服,单看歌舞画面挺不错,但真是被剧情拖了后腿!
啊好狗啊 要是罗密欧茱丽叶的结尾可能更好 舞台剧还是做舞台剧就好了 何必多此一举
技术上十分完美,多元化上做得也无可指摘,就是剧本太弱了,男女主演的表演说实话功力不够。歌曲都很难听。
看这个电影之前是没有报多大期待的,几年前看过60年代那一版的《西区故事》电影,我记得里面械斗的部分用舞蹈演绎的非常精彩,当时让我感觉到了一种不一样的魅力。但是这一版改成了真实械斗而不是舞蹈化演绎,有点可惜。我挺喜欢拉着布料当裙子那一幕这一版也没有了,细碎的来说,还是有很多细节的变化的。但是我真的很喜欢这部电影,我被整个表演和情节给打动了,甚至在看的时候完全忘记了时间的流逝,看完才发现这个电影居然有两个半小时,在剧情转折的时候,电影的视听表现非常打动我,所有的情绪都让我极其带入角色,很棒!
哭了四次(? 死皮真的牛 前两幕的调度和质感我每首歌都在快站起来鼓掌的程度(虽然ansel唱成这样很下头哈也不知道芭蕾舞是不是女朋友补课的腿没有专业的打的直 但是太爽了 基本上都是六十年代末的厂拍歌舞片的荧幕语言和打光方式 所有让我出戏的都是过于现代的特效加强和剪辑方式 make 60s great again!!!!! 桑爷credit出来全场鼓掌尖叫 wish you could have seen this day 😭
虽然但是… 拍得好牛逼啊🤩拉片爱好者全程高潮。镜头运动、剪辑节奏和光影变换都和演员们一起在跟随音乐舞蹈,古典好莱坞的气质被赋予了来自“未来”的科幻质感,让这一版改编真正具备了一种摆脱时代束缚的永恒性。
La réussite de cette revisite du classique musical repose largement sur la virtuosité inouïe de Spielberg en matière d'agacement de l'espace façonné par des jeux de lumières qui instaurent un clair-obscur magnifique ainsi que ces corps qui se meuvent au sein de ceci tout en dynamisant le cadre. De la reconstruction du coloris de la version originale par les filtres et l'étalonnage à la démonstration chorégraphique réactualisée, WSS 2021 bien au delà d' simple hommage devient lui même à son tour 1 monument de la comédie musicale. Mythique 4.5
斯皮尔伯格竟然也能拍这么难看的片子,还是歌舞片,有种米其林大厨做西红柿炒鸡蛋,做出食堂味儿的感觉。咱就是说,您真喜欢《西区故事》那就重映嘛,搞这么麻烦干啥。
新版改让老妇唱Somewhere是个神来之笔,五十年已过,没有分歧的应许之地还是只能在电影中幻想
(7.0/10)相较于原版《西区故事》的音乐剧质感,斯皮尔伯格的改编着重于“电影化”。动作戏更加追求真实感,摄影调度和剪辑等方面也比原版更为复杂。除此之外,剧情上似乎没有太多大的改动,只是调整和修改了一些细节。其实结合近年来美国社会现状,新版本可以有更贴切的改编,但都属于点到为止。斯皮尔伯格的版本与原版最大的差距在于缺少对其他配角的刻画以及在结尾处失去了原版的情感张力。
每!一!个!角色看起里都是asshole :恋爱脑,白眼狼,狂躁症,反社会人格,杀人/强奸犯预备役。男主,唱跳都水,不如配角,甚至都不够帅,没有说服力啊,看得人来气。另一半对话是西语没字幕,我累了,您北美没字幕也就罢了,澳大利亚上映没字幕是指望澳洲观众也听得懂西语吗……还是说根本不需要观众听懂?
正负美国梦,情歌百货店,警局阿飞传;精致,老派,奢侈,希望以后有机会能大银幕补习61年版
不要插手你妹妹的闲事,否则你会被人捅死。你被捅死当晚你妹妹还会跟杀死你的凶手啪啪啪,再被你老婆抓到。你老婆抓到以后还会被你妹妹劝去给凶手传信,顺便差点被凶手的同伙们轮奸。天要下雨,娘要嫁人,为难别人就是害自己。阿弥陀佛。
所以为什么要期待一个业已成熟的电影工业体系去精准还原好莱坞黄金时代的光影带来的感动呢,引导的方向不大对。Ansel唱歌跳舞还真是都不精通。
真·翻拍,导演大师荒谬、任性的纯真行为。
什么玩意
调度流畅。接受不了伯恩斯坦写不出旋律就转调的习惯。还是韦伯的音乐剧适合我。
喜欢编舞,是我心目中西区故事的模样。男主啥东西,这里还可以通过唱唱歌掩盖一下拙劣的演技,tokyo vice里面就完全不能看了。
看不下去……这是歌舞片吗为什么除了在舞厅里都不怎么好好唱跳啊,憋死我了