不要太期待世界末日

《不要太期待世界末日》是一部我最近观看的电影。

这部电影的故事情节和主题非常深刻，给我留下了深刻的印象。

电影的主题非常深刻。

探讨了时间记忆的生活意义等主题。

通过两个Angela的故事，电影呈现出了时间的流逝和人生的无常。

同时电影也探讨了记忆的可靠性，以及人们如何通过记忆和经验塑造的身份和价值观。

那里的演员也表现的非常出色。

本文源自2024年HKIFF48《世界玩完，你咪当真》（《不要太期待世界末日》）映后谈，主讲人百老汇电影中心总监徐匡慈，语言为粤语。

文章全长3305字，阅读时长约15分钟。

声明：主讲人使用大量语气词，内容稍有删减整合，如有需要可自取录音。

另外德国导演未能识别出来，有了解的朋友可以联系我补充。

原文链接：https://mp.weixin.qq.com/s/J22cHmMeUhXQ-CCvY3Y7WA

《不要太期待世界末日》的海报首先吸引了我。

这个人脸鸟身的生物在去年进入我的视线。

导演正是拍出《倒霉性爱，发狂黄片》并以此斩获第71届柏林国际电影节主竞单元金熊奖的来自东欧国家罗马尼亚的导演拉杜·裘德，他这次又玩儿开了！

《不要太期待世界末日》再次获得第76届洛迦诺国际电影节金豹奖评委会特别奖以及天主教人道精神奖特别表扬。

倒霉性爱，发狂黄片，拉杜·裘德，罗马尼亚，2021首先，电影很长，进入状态很难。

黑白和彩色的切换以及忽然而至的抽帧，都给初看带来了难度。

但当我第一次看到安吉拉用AI换脸录视频的时候，我就知道，这是一部“好”电影。

它也许没有优美的长镜头，也许也没有动人的乡愁离绪，但它是“我的”电影——那种我想和导演干一杯的电影。

其次，电影分两种视觉效果，即电影的两条时间线：黑白影像有点“粗制滥造”，它是电影的主时间线即2022年的故事。

节目制作人兼职网约车司机安吉拉干瘦而冷漠，一如阿基·考里斯马基作品中的女性角色。

此外，安吉拉是个“社怒”。

她裸睡，早晨起来揉着眼睛去上班。

每日超负荷工作，薪水不理想。

和妈妈见面都止不住她的戾气。

和男友见面也只是在车里草草了事。

她只能靠AI换脸，在社交媒体上发布粗鄙的骂人视频解压。

安吉拉的短视频部分是彩色的。

海报上这个“人脸”正是换脸后的安吉拉，她带着这个“皮”恣意骂人，开低俗玩笑。

而在我看来，她的观点是当今社会每一个男性都可以随意表达的。

她提到战争是有些人的阴谋。

油价涨了，应该把罪魁祸首烧死。

在讲起如下的黄色笑话时也是游刃有余。

有时候有点让人厌烦，而我始终在“get到她的笑点”和“苛责她是为了迎合保守男性”之间摇摆。

彩色影像是一部1981年的电影《安吉拉，步履不停》的片段。

出租车司机安吉拉常常因为社会上对女性的不公正待遇而愤愤不平，甚至骂人。

安吉拉，步履不停，卢奇安·布拉图，罗马尼亚，1981全片始终带着观众在罗马尼亚首都布加勒斯特的大街小巷穿行。

黑白（现在）影像有很多开车的主观视角。

安吉拉嚼着泡泡糖（缓解压力），听着嘈杂的音乐（释放压力）。

路上她时而被骂时而骂人。

她的来电音乐是《欢乐颂》，这个音乐响起，总有新的工作和麻烦事等着她。

彩色（过去）影像的安吉拉每天遇到不一样的乘客，她和他们聊天。

去年至少三部电影用到了大量其它电影的片段——《金的音像店》、《幽灵肖像》和本片。

一方面，迷影情结是个不错的卖点；另一方面，这似乎是一种取巧，叙事框架在嵌入其它电影（影像资料）之后会变得更加灵动。

《金的音像店》最为明显。

首先，它是一部讲述作为影迷的自己去追寻一家影碟租赁店的前世今生的电影，这在某种程度上是个人化的。

《金的音像店》因为多部电影的嵌入而变得具有多种风格。

尤其是他第一次到意大利，“偷溜”进金的储藏室以及之后跟当地政府起冲突的戏。

金的音像店，大卫·雷德蒙/阿什莉·萨宾，美国，2023说回本片，2022年的安吉拉来到工人家采访。

开门的老奶奶正是1981年的安吉拉。

两位安吉拉在此时相遇。

随着两人的聊天，《安吉拉，步履不停》中的爱情主线逐渐浮出水面。

老电影中，安吉拉是个打扮中性的直率女子。

当她的乘客在车上哭泣，她不会去打扰，而是给乘客留一个发泄的空间，她对后面狂按喇叭的司机破口大骂。

当她在路上遇到一些状况而很冷静应对的时候，也会有男性乘客对她刮目相看。

当她的乘客开始追求她，她是开心的，但当男伴提出让她换身“更女人”的衣服时，安吉拉就跟他拜拜了。

安吉拉最终遇到相伴一生的匈牙利裔男子。

他们一同经历了特尔古穆列什地区罗马尼亚人与匈牙利人的种族冲突。

安吉拉说，“我的一生都充满痛苦。

”

安吉拉，步履不停，卢奇安·布拉图，罗马尼亚，1981本片重点是讽刺随着科技手段日益普及，人和社会的异化。

短视频软件的人脸特效可以让你成为任何人，而远程办公软件的背景特效可以让你在任何地方。

结尾，受访工人举着绿板，后期可以P上任意标语。

“你是谁”、“你在哪”、“你说了什么”等等原则性问题都可以被科技手段（拥有话语权的人）改变。

真相变得功利且不稳定，并最终变得没有意义。

宣传片反复拍了好几遍，受访工人被提出无数要求：不能提工时，不能提俄罗斯，不能提事故现场光照条件不足。

最终，工人不被允许开口说话了，连用于表达观点的纸板也是绿板，这样他们就不能说什么不利于公司的话了。

“让我们像鲍勃·迪伦那样做吧！

”公司老板说着。

（鲍勃·迪伦在Subterranean Homesick Blues的MV中曾这样做。

）

随着两位安吉拉的见面，1981的安吉拉被解构。

而现在安吉拉对老年安吉拉的造访使得两个时间线的界线被消融或者被加固。

此外，导演借由角色也输出了不少自己的观点。

这与当今世界弥漫的气氛不谋而合。

正如1981年的电影中，安吉拉所说，“我的一生都充满痛苦”。

在拍摄关于儿子的宣传片时，她依旧痛苦，这痛苦中似乎又多了一丝不知所措。

什么都没有改变。

世界没有一天处于和平，而现实也没有一天没有剥削。

继续绝望并相信会一直痛苦，似乎是比“期待世界末日”更实际的选择。

附：Cinema Scope：你的电影不涉及人工智能，但我们注意到字幕上写着这部电影是“由拉杜·裘德“亲自”编剧和导演的（personally written and directed by）。

”你如何定义2023年的个人电影制作？

裘德：这其实是个小笑话。

你知道在哪里用过这种表达吗？

——埃里希·冯·斯特罗海姆的《贪婪》（1924）。

所以这其实是我在拐弯抹角地向他致敬，可能是我制作片头时的一种冲动吧，也有可能我当时喝了一点…实际上，我对私人电影不感兴趣。

我认为这个词在很大程度上被滥用了，特别是在艺术电影和欧洲电影中。

你常常必须是“私人的”，这样才被认为够资格，或者是才可以获得资助。

有些资助金申请表会问：“你和你的电影主题有什么关系？

”然后有些人会写，“哦，这是关于我祖母的故事，”或者“这是我在度假的时候发生的事。

”我认为大可不必以这种方式表达个人化的情感。

我知道这是一个作者电影的观点，但我坚信，正如布列松在《电影书写札记》中所说的：要去做那种别人做不了的电影。

不论是电视剧集、商业电影、艺术电影或者实验电影，你都可以留下自己的印记。

也许数字工具和人工智能正在改变这一点，但对我来说，电影提供的记录现实并将其转化为图像的可能性非常强大，而且不仅是用作私人用途。

我曾经在电视和广告行业工作，在那里也有个人的愿景，但那只是老板的个人愿景。

拉杜·裘德上一部长片《倒霉性爱，发狂黄片》（2021）获得第71届柏林国际电影节金熊奖，在影评人当中颇受好评。

不过对于大多数人来说，这部电影的片名就是最大的噱头，超过电影实质内容，当然这本身就是电影批判矛头所向。

《不要太期待世界末日》依然如此，作为“喜剧”片，电影的观感并不“愉悦”，女主角奔波劳累趋于崩溃的一天与观众的疲惫同步，这是电影的目的，谜底就在谜面上。

安吉拉是一名影视公司制片助理，公司刚接到一个制作“劳动场所安全事故”宣传片的任务，她主要负责拍摄前期素材，当然也有老板临时安排的杂务。

安吉拉的状态就是一个标准的“社畜”，开车，采访，开车，采访，开车，采访，见缝插针拜访一位著名电影导演，又见缝插针与男友在车中约会，还要带着母亲去协调祖母墓地迁移事宜，然后继续工作。

中途她向领导申请回家休整一下被断然拒绝，因为担心安全不得已她把车停路边睡了一会。

她面对的采访对象都是某个大企业中的受伤员工，这些员工本能地以为安吉拉是在帮助他们，为他们发声。

撞破头的，压断胳膊的，摔断腿的，他们都很认真地诉说着事发经过，冷静地回忆着公司制度的缺陷、负责人的冷漠强硬。

安吉拉从不会回应，只是不断地提醒拍摄对象的姿势，提醒他们说几句安全提示。

安吉拉与这些工人是脱节的。

她其实活在自己的世界，拍摄只是她的工作。

她的生活已经一团糟，没有多余的感情投射给别人。

俄乌战争，拥挤交通，油价上涨，无情老板，骚扰电话，路边卖的低俗读物《婊子的初体验》，这是包围安吉拉的生活。

她的车上持续播放着狂躁的音乐，嘴里一直嚼着口香糖，遇到路怒症会毫不犹豫对骂，这些都是她面对高压又必须保持清醒的不得已。

工作中的她漂亮冷静理性，网络上的她有另一幅面孔，她在社交网络平台有自己的账号，以一个AI换脸的秃头、络腮胡、浓眉大眼、言语粗俗的虚拟形象出镜，大谈各类“低俗庸俗媚俗”话题，肆无忌惮，博人眼球。

哪个是更真实的她？

都是，也都不是。

导演做了一个奇特的设定，安吉拉采访和工作的镜头都是黑白画面，安吉拉网络视频博主部分则是彩色画面，同时导演又插入了一个1981年的罗马尼亚老电影《安吉拉，步履不停》的片段，导演是卢奇安·布拉图，电影的主角是一名也叫做安吉拉的出租女司机，她开着车穿梭在街头，遇到形形色色的乘客和路人。

在大量的黑白画面中，偶然出现的彩色镜头艳丽异常，仿佛甜蜜的糖果，但一些细节不经意地透露着“秘密”，男司机的厌女言论，定格镜头里迷茫黯然的面孔，是未被过滤干净的底色。

1990年代前后的罗马尼亚属于两个“阵营”，历史的社会主义的罗马尼亚是彩色的，现实的资本主义的罗马尼亚是黑白的。

逝去的更美好还是当下的更残酷，该惋惜还是该怨恨，一言难尽。

经历两个小时的“折磨后”电影的高潮是40分钟的长镜头。

长镜头有明显的剪辑痕迹，但固定机位真实地再现了“宣传片”的拍摄过程。

公司最终选了一个拍摄对象，正是老安吉拉一家，她的儿子因伤只能坐在轮椅上。

为了几百块的拍摄费补贴家用，他们选择了接受邀请，但同时他们和公司的纠纷还在走法律程序，没有定论。

拍摄过程又是一场折磨。

导演为了追求自己想达到的影像效果，不停地调整现场，开走远处的货车，撤掉大楼上的广告牌，挪走身后的栏杆，撤走后面的广告，调整一家人的位置和姿势，在等待的时候导演和摄制组自顾自地聊着各样话题，卓别林，巴斯特·巴顿，防核辐射避难所，电影与企业宣传的关系。

被拍摄的一家人仿佛空气。

男子讲述了自己的经历后，语言被不断修改，既要符合导演的要求，更要符合公司派在现场的代表的要求，不能提某个国家，不能说没戴安全帽，不能抱怨加班，甚至直接道德绑架这一家，要求他们为公司整体利益考虑，把事故的责任放在自己身上。

反复修改仍不满意，下雨了，天黑了，导演不得已，让男子举着几块绿色板子结束了拍摄。

男子妻子担心地问导演，后期他们自己加字幕，上边会不会写对我们不利的东西？

导演说，不会的，如果真发生了，会很糟糕的。

导演只负责拍摄，公司怎么想，拍摄对象怎么想，他不想管也管不着。

公司代表跟着说：“我们会按之前讨论的内容准确录入。

”“你不会骗我们吧。

”“怎么会，我们是一家世界级的公司。

”公司总部负责宣传片拍摄的营销总监据说是歌德的曾曾孙女，她除了开视频会议接受导演的奉承之外，没有接触过任何一个拍摄对象，也没有出现在片场。

她的工作就是从一个酒店换到另一个酒店。

愤怒的高级形式是幽默。

这是一部“抖音/Tiktok时代”的电影，导演对社交媒体、AI、娱乐至死的展示干脆直接，近乎短视频化了的电影，电影会在谈论高速公路车祸频发时直接接出跳出情节，插入大量路边坟墓的特写。

我感觉许多电影人都在努力制作“普世”或“永恒”的电影。

而我恰恰相反。

我希望我的电影给人一种非常当下、非常具体、非常具有现实意义的感觉。

有些人一想到自己的电影在上映一两年后会显得陈旧，就会感到恐慌。

但我恰恰希望如此，我希望它们给人不合时宜、甚至过时的感觉。

这也是我作为观众所喜欢的。

我对完美的电影不感兴趣。

——虹膜《拉杜·裘德：抖音比电影有趣得多》布拉图的时代，需要巧妙地躲过官方审查，通过镜头展示某些人极力隐瞒的真相；拉杜·裘德的时代，可以大张旗鼓声嘶力竭地表达，但真相愈发面目模糊。

时代变了，但结果似乎没什么不同。

人与工具的关系，人与媒介的关系，说到底依然是人与人的关系。

世界本就如此，人才是草台班子。

电影片尾，导演引用了一些日本俳句，其中有一句来自小林一茶：此世，如行在地狱之上，凝视繁花。

电影分为A、B两面。

A面展示了超负荷工作的制片助理安吉拉为一家奥地利公司收集拍摄素材的经历。

她东奔西走、长时间坐在驾驶位上，对每一位接受采访者都面带微笑，显得矜持而友好。

但与此同时，安吉拉在网络上却扮演着截然不同的角色：她借助虚假的滤镜，将自己变为一个粗俗的男人，大肆地抱怨生活中的困难和炫耀着不存在的优待。

影片中出现了滑稽的一幕——“烂片大王”导演鲍尔，真人出境，为自己所受到的批评发声。

而他却在安吉拉的手机屏幕中变为tik tok中的笑柄。

影片中颜色的设置也不失深究之处。

将现实生活化为黑白，转而将电影和短视频变为彩色，更加深化了这部喜剧中的讽刺意味。

观众们观看过安吉拉拍摄的短视频后，不免会会心一笑。

但微笑的同时，也会发出一声感慨——无聊的生活、平淡的日子、社畜的辛苦，也许能够通过这些蹩脚的娱乐得以舒缓吧。

B面的故事则侧重于在安全生产视频中出镜的受伤工人奥维迪乌，在公司的诱导下，不断改变对受伤细节的描述，以致最后做出完全让步。

B面整体使用彩色画幅，采用固定机位一镜到底拍摄。

期间完全展示了奥维迪乌一家的真实反应状态。

工作人员对奥维迪乌的说辞不甚满意，最后竟然让奥维迪乌手持绿幕板，以完成差事。

由此可见，网络信息时代甚至会谋杀人的话语权。

无论你身在何处，一旦被记录下来，就存在着观点被扭曲的风险。

这不仅是存在于虚拟和现实之中的一种混沌化，更会演变为资产阶级对底层人民的打压、利用以及剥削。

电影中出现了tik tok短视频、zoom会议以及绿幕等疫情时代的元素，令人忍俊不禁。

zoom会议中的虚拟背景，很容易让观众们联想到史云梅耶的拼贴动画，从而带来不真实之感。

而更值得让人思考的是，这些虚拟的新时代产物，正在逐渐取代我们的现实。

在电影中，虚拟的事物比现实生活更加多彩。

这个事实让人胆寒。

极具诚意的匠心之作，立足现在，回忆过去，展望未来。

在某些电影对新媒体的理解还停留在“这就是老戏骨”“狗都看哭了”等逆天营销上，你裘德哥已美美next level。

看海报知风格

图一这位正在开车的张扬时髦、阳刚狂野的女人是本片主人公安吉拉，她是某电影公司的员工，为选角而奔走。

工作之余，她会顶着这个搞笑秃头男特效拍痘印，愤世嫉俗、疯狂输出一番。

影片以她的视角切入和串联起这个故事。

不妨一起感受一下她的攻击力：

本片叙事结构的创新体现在三个影视线的相互对应。

即女出租车司机的复古影像——安吉拉的低俗短视频——电影公司的伪记录片三种影视形式的比较。

因工作忙碌，安吉拉总是在开车，而在她驾驶的镜头中，又总是闪回上世纪中叶某个女出租车司机载客的影像。

这些闪回镜头不仅质感粗砺、焦点飘忽、色彩杂乱，而且使用了大量无意义的镜头运动和慢动作，令人摸不着头脑，可知掌镜之人根本不懂拍电影。

而镜头里的路人呆滞的表情，则还原了电影艺术初起步阶段人们对摄影机的陌生和不解。

随着剧情的推进，这位女出租车司机与安吉拉相遇，当然，此时前者已白发苍苍，步履呛呛。

于是在二者之间产生了某种呼应和传承：即曾经稚嫩无比的电影艺术与安吉拉随意角度、随意光线、随意地点拍摄的，可以说是“粗制滥造”的低俗短视频并无二致，而今天的电影艺术已至成熟，那么使我们不可避免的联想到现在的短视频行业将来也具有进化为稳定成熟的视听呈现的可能性。

表示新时代大众传媒的影响：连公墓的名字都是网址的样子。

安吉拉在开车接上司的时候提到罗马尼亚的道路交通安全问题，她说这条路有250km长，但是却死了600人。

此时镜头静音闪回了许多或精致或简陋的十字架，长达5分多钟。

导演以此来缅怀死者、抗议政府无能、暗示安吉拉以及任何人都有可能成为其中之一。

本片最重头、最具讽刺力的非片尾的拍摄花絮莫数：

安吉拉所在的电影公司想拍摄一部呼吁劳工安全“纪录片”，前右1这个因工伤下肢瘫痪而坐轮椅的男人就是他们最终敲定的人选，其他人是该男子的家人。

上图中他正在拍摄成片，这一画面从人物的衣着到布景都极其混乱，甚至混乱到了令人发笑的程度：老太太装模作样打了一条领带（似乎还是商务款男士领带）、父亲谈伤痛经历，女儿却身穿鲜艳大红花t恤并装逼式的戴上了墨镜。

后面两座大楼是旧式共产主义建筑（但罗马尼亚是资本主义国家）、几人的后方停着一辆五彩缤纷的广告车、画面左边有个狗窝，狗窝上面是某个现代主义插图，狗时不时出来逛一圈，画面右边甚至是一个废弃的核电站。

通常来说，画面的整洁不一定意味着叙事的工整，但画面的杂乱一定意味着叙事的杂乱。

果然，拍摄过程也混乱非常：首先是该男子（非本国人）的姓在罗马尼亚语里音同“屁股”，因此导演规定只能说名。

其次语言不能和法国挂钩，因为公司担心法国业务受影响，再其次要说自己受伤完全是自己的失误，与资本家、政府无关。

休息时候的讨论满满的痘印营销号味，像“麦当劳比肯德基好吃，因为我不喜欢肯德基创始人”、“军官把子弹从被处决的逃兵身上夹出来是盗窃尸体罪吗”。

安吉拉在废弃核电站旁录了一段短视频声援普京打败泽连斯基。

这一段极具混乱的喜感，但乱中有序的隐喻了电影自身的困境和短视频平台对人们的影响，体现出电影从业人员对行业前景的切实担忧及出路探求。

电影业虽然极具工业化水准，但牵扯利益太多，条框太多，已从纪实滑向虚无，而众人毫不着调的发言体现着快媒体时代的优势和弊病：博古通今，真实，贴近生活，但知识碎片化、杂乱、无甚内涵、激进、哗众取宠，甚至具有某种阴谋论倾向，距离稳定的视听呈现相去甚远。

所以电影业已届寒冬，短视频也难扛大梁，世界末日快到了。

而导演的态度就像本片的片名“不要太期待世界末日”。

一方面他在该影片中尝试某种复古和倒退，比如黑白配色，比如固定机位，比如“往日重现”，比如某种“ppt翻页”式展示（学名为：拼贴美学），试图回归电影的本真，挣脱条条框框，体现电影的纪实与现实意义。

另一方面他又注意到痘印、脸书、油管等新兴媒体对电影的影响及巨大的创作潜力，从而颇具实验性和先锋性的将二者融合，以拓展电影表达的边界和发现图像传播的全新可能。

黑白的生活，彩色的短视频，并行的女性电影，拍摄的宣传短片，属于生活的一切压抑和忙碌都是单调的无色的，而一切被修饰被表演被装点设计过的影像都是彩色的，丰富的，抓人的。

从一开始，导演就在极力的提出这个问题，世界上还有真实吗？

单调的无聊的真实，正在距离我们越来越远吧。

所以我们跟着女主一整天，从早上不到6点起床开始，开着车在城市奔波寻找受访者，目的是为了让受访者说自己的故事而刨除原本公司的责任。

探访会议拍摄，不断录制的滤镜评论尖锐粗鲁，因为不用坐班而无法计算工作时间中，她选择把生活散乱的加入到工作中途，即使已经如此匆忙仍然会面对甲方保证只上8小时的班。

大量的对白都在用文学和历史去讲述现在国家的境况和民众的困难，也让我们看到罗马尼亚的一角。

影片虽长，却并不觉得难熬，相反因为影片设定的并行两条线和剪辑节奏得以让观众进入到环境里并跟随女主的节奏去完成这一天。

并置的影片是当年躲过国家审查的女性主义影片，导演说这是他找到的唯一一部。

它和主线的女性并行交叉，同样是安吉拉忙碌开车并且面对着对女性的恶意和生活的困难。

他们相遇，最后合作拍摄，这样的连接或许也在延续的是社会的困境，就像原片的慢动作里所给出的眼神和记录在讲述那个时代和这个国家正在经历的一切。

这也是让A篇变得长却有趣的原因，一切都向着一个中心一个表达去交叉讲述推进，丝滑丰富。

影片并不靠剧情去讲述什么，却将一切暗含在一天的工作中。

女性的困境和国家的艰难，尖锐粗鲁的语言却只能掩饰在虚伪的特效后面，而她真实的生活只有劳累和虚假。

最后的b面更加讽刺和尖锐，不管是大家在拍摄时瞎聊的一切还是最后准备的诸多话语都只成为了一张一张的绿幕，和它最开始吸引我的海报一样，又荒谬又幽默又尖锐，喜欢！

安吉拉开了一天的车，我看她开了一天的车。

太话唠了，很久没见纯粹靠语言支持整部电影的作品了。

像看了一部两个多小时的脱口秀。

导演很有表达欲。

阐述罗马尼亚的后疫情时代的景观的同时，似乎告知整个世界的命运。

或者更加个体的命运，社畜的剧组助理，社交媒体上不记名的吐槽和恶搞，太真实了。

国内的人们用着反差的和安吉拉类似的西瓜头特效来吐槽琐碎的真实的生活景象，人人都成为电影制造者，制造者和观影者成为了一个人。

电影本身总是在提出问题，电影传统技术被打破，那么电影本身的挑战是什么，电影b面，最后的广告拍摄和安吉拉发短视频的吐槽成为了鲜明对比，电影工业制造被大集体话的利益裹挟，一个电影拍摄似乎不如短视频的叙述更加有力更加高效；那么在这种情景下，传统艺术电影或者商业电影又该怎么面对。

观众又该怎么选择。

导演旧事重提，发问所以观众，我们该如何选择。

A面的故事虽然冗长，但电影努着劲，给我们观众一些他的观点，女性在新媒体的利用下，在短视频中反串着好色的猥琐男性，更加黑色幽默的女性表达，我是可以接受的。

但是唯一不理解的是，为啥其中给我拍了好几分钟的十字架，太抽象了。

安吉拉的困境是我们当代年轻人的困境，类似于“完颜慧德式”的审丑文化，虚无主义者对“意义化”的消解，短视频的情感爆炸。

我们怎么办，真的就只是用类似“不要太期待世界末日”的话语进行精神自慰嘛？

看这种片子应该算是最开心的那种了。

真的会在观看的时候感觉到兴奋，感觉到自己创作的冲动。

它是那么的自由，提醒人们关注创作的本性，纯粹的本性。

导演一定是个有趣的人。

这部作品并不是那种带有宏大或者伟大气质的，而是充满戏谑和玩笑。

第一次看到credit是全手写然后在出平方logo那边直接用ppt鼠标滑动，哈哈。

影片有两条线，主线是黑白噪点的现代故事（全是固定镜头），关于一个广告制片助理；副线是复古彩色胶片拍摄的过去的故事（移动/推焦为主），关于一个出租车女司机，用了大量很莫名其妙的掉帧升格，到结尾都没能和主线产生什么联结，但是我不会说它是“不好的”。

主线有很多时间都是从侧面固定镜头拍摄开车女主的近特，然后可能配上音乐，但是确实没感觉无聊。

还有就是大量的抖音部份，说实话这个确实在剧作角度是没啥用的，主要就是喜剧效果吧，满满的后现代风格…话说回来，其实也是关于社会议题的。

工伤群体以及只想做好宣传的广告甲方。

最后那个部份，拍得让人意识不到是固定长镜头。

总结…那些戏谑整活的部份，其实我没那么喜欢，但我欣赏大胆的电影。

虽然这哪里有世界末日元素？？！！？

😂

https://boxd.it/yZBrhttps://www.patreon.com/comrade_yuihttps://youtube.com/@comradeyui1498?si=rT-sX5MPmYyFBvA_found this at its best when it leans hard into the harsh desynchronization of daily life within a digital world, how all the filters and streams and pixels add a thick fantastical miasma atop a stagnant modernist europe quickly sinking into the mud-soup of always-online global feudalism -- i'm less enamored with the parodic imitations of contemporary vulgarities, which will read more interesting to viewers of the future as a historical document of the 2020s but in the current moment seems to be a comedic flailing -- i have a skepticism towards the long and storied tradition of the type of left critique which values the depiction, parodying or even accelerating of the idiotic symptoms of capitalism in an 'ironic' or now 'post-ironic' aesthetic, as if acting like a bastard makes the real bastard less of one -- you just end up with two bastards.that's far from all that radu jude is doing here, and i don't want to articulate a condemnation of this work, i think it is fundamentally successful, but i also believe there are inherent limits to such exercises. not to compare everything to godard (although we should), but he gave up on trying to keep pace with the frenzy of capitalist media in the 1960s and just went and did his own thing afterwards, often seeming more futuristic because of his disconnect from this mainstream -- here, we see jude digest the livestreams and tiktoks and zoom calls and represent them in a largely matter-of-fact naturalist way, it's the classical cinema of representation, workers leaving the lumière factory for the 21st century, showing the consequences and products of labor but not labor itself as a way of life. how can you make a parody of an economic system which already metastasizes its own contradictions and flaws into narrative entertainment? instead of revolution in our lives, we experience a critique of all values in art, and we expect the two to somehow equate to the same thing -- yet films such as do not expect too much from the end of the world almost exclusively play to the eyes of bourgeois festival goers, coastal culture aristocrats, or deranged obsessive aesthetes like myself, not to those workers who would have the most to gain from it.we still operate under the illusion of cinema as a mass medium which has the capacity to change consciousness on a huge scale, but it's increasingly become a specialized interest in the age of digital 'content creation' -- if you're reading this review, you're looking for curation and context about cinema, not whether cinema itself means anything to you, that's already assumed. radu jude's metatextual playfulness is not totally out of step with the world as it is, ending or not -- it accommodates humor about the situation we all find ourselves trapped within, it has room for despair too. the hints of a counter-art are clearly visible within that form -- making cinema with chunky cellphone cameras and multi-media dexterity, the democracy of the image and its creator, all of that points to the future which has already arrived, we live in a rich period of aesthetic development even if it's not immediately apparent within the conservative film industry. but i'm convinced that we need to do more than just the standard left-wing thing of pointing out stuff, of trying to make a spectacle of capitalist realism, because it then takes that spectacle and sells it back to us in an even more anesthetized commodity, it doesn't care about the truth, it only cares about the ease at which images can be valued for a certain audience -- we pay the premium ticket at the film festival or buy the expensive blu-ray for the promise of an experience which will 'satisfy' in some special miraculous way, but it rarely does, it's old-school hucksterism at its finest; capitalism creates a cultish aura around cinema and the arts, and many people get caught up chasing that illusory aura rather than examining the images which are being sold to them beneath the ritualized glamour.some images are corrupted in this way, and others are ignored entirely -- the shakey-cam videos of hamas and the PFLP being engaged in active life-or-death conflict against their colonial oppressors, storming towers and firing RPGs at armored vehicles, these have the inherent enthusiasm and zeal of a cinematic eye that wants to show direct action against the neo-imperial core of america and its western allies. yet those videos don't have loggable entries on letterboxd, only 'official' releases do -- who is officiating? the invisible bureaucratic control system lurks behind what you are encouraged to see, and it tries to suppress and trivialize that which challenges it, to make a parody of the global under-class, who rely on the immediacy and sincerity of art regardless of if it fits into the cliquish circle of western art critics.it occurs to me that i generally don't enjoy comedies because they tend to be made from a source of general bitterness or anxiety, and that abstracted negativity alone cannot change the world, it often corroborates that which it tries to ridicule -- see how almost every hollywood film since the 90s is 'in on the joke' and makes fun of itself, yet still does what it always does anyway. do not expect too much from the end of the world lies within this bed of negative dialectic, the legacy of adorno and marcuse and zizek, fellow travelers on the left who have inspired many people today, but also whose ideas and systems nevertheless remain impotent to actually affect any meaningful change -- meanwhile, a 23 year-old palestinean who lost his entire family in years of occupation and months of constant aerial bombardment has a go-pro attached to his head while he runs up to a zionist tank and shoves an improvised grenade between its beige armored paneling. no critic is going to curate that for you, it won't win any awards, it's not ironic, it's not post-modern, it's reality -- i think art must strive to either help us access the transcendent, or to strip away the ideological layers surrounding our material existence, to divinize or to illuminate -- do not expect does plenty of the latter and shows us how we can walk further down this path -- we must have a cinema which is free of commercialized contrivance.the uwe boll scene is 👌