迷失东京

第一次听说《lost in translation》的时候，我还以为是那位波兰女作家的小说。

我在英文阅读赏析课上知道这本书，书名叫做Lost In Translation，主要是写五十年代波兰犹太后裔在美国成长时候所遇到的文化冲击。

那本书写得相当之好，青春期的困惑、叛逆和文化碰撞结合之后的感觉让我一口气看完讲义上节选的三个章节，可惜后来一直没有找到原著，现在连这位波兰女作家的名字都忘记了——波兰人的名字一贯难记。

后来才知道，这个lost in translation，是lost在东京，导演是索菲娅•科波拉。

《教父3》里面和堂兄鬼混的那个大嘴唇女演员。

因为该女孩儿出现在一群俊男美女当中实在是很不协调，我对于文森特•柯里安一直没什么好感，总认为他在利用他的堂妹，骗她上床而获取第三代教父的权势——这样一想，《教父3》里面那段“禁忌的美好爱情”，就变得有点恶心。

而这片子却令我有点惊艳，尤其是知道拍摄只用了27天就完成之后。

据说因为拍摄时间的短暂，索菲亚没有办法准备充足的灯光。

如果这是事实，那么我不得不佩服摄影师的巧妙构思。

也许这就叫无心插柳柳成荫？

影片中的灯光十分柔和，在酒店和PUB的时候尤其昏暗，或者说，暧昧。

整个片子的基调就这么定下来了，一切都是模糊而不明确的，索菲亚科波拉用“暧昧”二字贯穿始终，将一切故事蕴含在一种若有若无的气氛里。

个人而言，对于带有艺术气质的商业片，我十分痛恨大量的手摇镜头。

类似《寻枪》，影片看完后我头都晕了。

而这部影片则多用固定镜头。

我也不喜欢长镜头，这片子也并没有很多长得乏味的长镜头。

或者说这是索菲亚•科波拉女性导演的一种特点，她对于艺术片的野心并没有那么尖锐，用复杂多变而且前卫的摄影手法来表现，她的野心十分柔和而且含蓄，类似本片的灯光。

当某件事降临的时候，结局会通向何处，都是不明确的。

我们面前有无数条充满可能性的道路存在，在昏暗中隐现。

然而影片那种昏暗的光线，又给影片中人增加了一些模糊的距离感，仿佛是一片浮华背后的孤独与寂寞。

同样，这也是这部影片的主题。

我觉得这影片讲述的主题是迷惘。

Lost in translation，并不是“翻译”，而是人与人之间的沟通与交流。

西域生番有云：you are my soul mate——你是我的灵魂伴侣。

我华夏著名杂志《知音》有云：心灵的港湾。

说的正是本片中表现出来的那部分缺失。

不知道是不是英国人那种含蓄的美德在二十一世纪最终得以提倡并且发扬光大？

有时，有片刻的忧伤喜悦迷惑欢乐，想要急切地寻找一个人来与自己分享的时候，别人却转过头去——这是个现代化的社会，如果你只想“分享片刻的感动”，最好免开尊口，各人衣饭才是要紧“正经事”。

于是影片中人都沉默地闭上嘴巴，将彼此的谈话都固定在日常的鸡毛蒜皮上。

所以，男女主人公短暂的心灵交流就显得弥足珍贵。

这部影片的迷失无处不在。

男主人公鲍勃•哈利斯在东京拍摄三得利威士忌广告，该幕剧本名字就叫作lost in translation，所以我们不妨将此看成是影片的一个浓缩。

日本翻译夹在他和导演之间，让他对翻译感到迷失，陌生的日语叽里咕噜啰里啰唆噼里啪啦滚将出来，主人公的脸上有些迷茫，有些警惕，最多的，还是有些尴尬。

这种复杂的情绪在这个长着一脸苦相的中年男人脸上炒成一盘大杂烩，最终端上了一道名为“有苦说不出”的菜肴。

同样，被环绕在一脸漠然的剧组人员当中，在一次一次的“Cut”中，他的烦闷和抑郁从全身每一个毛孔渗透出来，充斥着屏幕并且强烈地传递给我们。

然而就在这个时候，他的台词仍然是轻松愉快，表演仍然要微笑并且绅士： “让轻松的时间，变成三得利时间！

” 然而另一方面，说相同语言的人也在迷失着。

新婚的夏洛特被丈夫（《老友记》里菲比的神经质弟弟）一个人扔在东京。

貌似有工作狂的丈夫一边收拾摄影器材一边唠叨着工作时候的鸡毛蒜皮，夏洛特一脸漠然地看着自己的围巾，突兀地插入了丈夫关于工作不顺的谈话： “你不觉得这太长了？

” 丈夫一脸茫然地回头，带着一种发愣的表情回答：“我也不知道。

我不是叫你别抽烟了吗？

” “我又抽不多。

” “这对你的健康不好。

” “以后戒。

” 以上这些完全属于废话。

如果说鲍勃已近中年的婚姻生活中出现这样的对白丝毫不令人感到奇怪，而这对新婚夫妇却看起来是相处在两个不同的时空中，对于彼此的沟通，just lost in translation。

鲍勃的婚姻关系同样也是充满问题。

妻子日复一日发给他传真，上面的内容却无聊地可怕。

他刚刚抵达东京的酒店，妻子就紧追不舍地发来传真，说他忘记了儿子的生日，不过他（儿子）应该会理解。

鲍勃脸上出现一种无可奈何的麻木感。

既然儿子“会理解”，那么又为什么非要用传真通知丈夫？

这些穷追不舍的传真同样传达了妻子对于与丈夫交流的渴望与迫切，我甚至认为，影片中没有出现过的哈利斯太太，正是另一个夏洛特的镜像——对于自己忙于工作转身而去的丈夫，对于与丈夫交流的迫切，甚至自己伴侣的出轨隐喻，都完全相同。

所以在这种意义上，鲍勃仍然对妻子的“罗唆烦人”负有责任。

只是，这对夫妻的问题，应该是冰冻三尺非一日之寒，彼此都孤寂地生活在自己的世界里，渴望着对方打开心扉，却只能停留在关于鸡毛蒜皮的日常生活这种表层谈话中——just lost in translation。

夫妻之间的感情问题毕竟只是个人生活中的一小部分。

而当夏洛特向外界寻求帮助，打电话给好友莫兰的时候，对方的口气虽然不见得不耐烦，但应付了事也是显而易见的。

“东京如何？

”（对于蜜月时期的新婚夫妇问这句话算是客套） “很棒。

我去了一个寺庙，里面有些和尚在念经。

我觉得很空虚……我也不知道，我甚至拜了一下佛祖……还有乔万尼（我忘记丈夫的名字了，姑且用真名代替）那些护发素什么的，我觉得我不知道嫁给什么人了……” “你总会知道的。

稍等一下……” “好。

” “对不起，你刚才说什么来着？

” “没什么，我再打电话给你吧。

” 这位朋友很明显地传送出“I’m busy”的信号，就算夏洛特的声音很明显地带着哭腔。

向友人倾诉心事应该是一种很好的选择，然而夏洛特刚刚试图打开心灵的时候那扇大门就在面前关了起来。

于是她选择“识趣”。

另一种正常的倾诉的渠道同样——just lost in translation。

这是两个异乡的游魂，在繁华的东京街头和汹涌的人潮中感到自己的灵魂不知在何处，自己的脚步不知归往何处。

一切正常的渠道都被关闭，触身所及都是漠然和无视。

夏洛特在东京东游西逛，而没有什么东西能让她感到有趣或者新鲜；给鲍勃安排的妓女让他无所适从，脱衣舞秀让他一脸厌倦——或者说，在心灵无所归属的情况下，一切正常的外部刺激都无法让他们满足，“食不知味”。

在正常渠道无法正常运作的时候，就会有一种想要通过非正常渠道发泄的欲望从心底钻出来。

就像下五子棋的时候没棋可走就要“冲”，或者如同王二老大哥把笔往桌子上一摔，对办公室里的人一声大吼：“开party！

” 影片的前半部分充满灵气与天才，大约三分之一之后就让我觉得有些无聊。

虽然索非亚科波拉把这场婚外情诠释地那么美好那么伤感，然而婚外情的特色仍是唯一的，这就不免有些俗套：两个人彼此充满着新鲜的好奇，接触到灵魂深处的谈话，彼此的温暖，狂欢，烂醉……这两个人最终找到了soul mate或者“心灵的港湾”。

然而值得注意的是，影片的男女主人公，一个正由青年步入中年（结婚代表一个分界线），一个正在由中年步入老年。

都处在一种一切都貌似已经安排好注定好，但自己仍然蠢蠢欲动有些不甘心就此一生的年龄。

这个时候人的性格是多变的，复杂的，需要大量的安慰关怀等等一系列温情泛滥的东西。

他们彼此的相遇和相恋在这个意义上有了一些象征意义。

酒店响起火警的那一幕就有导演的这种暗示。

两人在酒店外衣冠不整地相遇——酒店象征着体制内的现实世界，而衣冠不整地相遇象征着彼此短暂的出轨。

而他们最终又回到酒店里，继续未完的睡梦。

这个暗示很快就变成了现实，两人在东京街头茫茫人潮中分手，没有多余的对白，“hey you!”，然后就是“goodbye”，在屏幕正中央旁若无人地紧紧相拥，人群行色匆忙——世界仍然继续运转，他们也将重归彼此的生活轨道。

虽然我对影片后三分之二的内容始终觉得不喜欢，尤其是对于乔万尼那个风骚的红颜知己总觉得刻意，但最后的那个拥抱仍然让我无比感动——我们相逢在生命的狭船，天明就将登岸，彼此去向不同的方向。

（一）三月 迷失东京昨天在路上，一直在想迷失东京。

索菲亚科波拉的电影。

虽然有点太事儿。

毕竟科波拉只是一个美国长大的姑娘。

但是事儿的讨巧。

事儿到很多人内心深处。

身体越近，灵魂便越远。

Scarlett Johansson.不得不承认科波拉对女性视角的拿捏。

这当然也表现在对演员的选择。

包括玛丽安东尼里的邓斯特。

她说剧本就是量身为邓斯特写的。

这个斯嘉丽众所周知的不一般。

唱歌的声音也不一般。

是震惊。

这样的女子，没有人再苛求她有莎拉布莱曼的声音吧。

我这女子看了她这女子都很动心。

可以文艺得像画又可以长腿大胸妖娆的大大方方。

我对那种明媚正气的美女有特殊爱好。。

她和娜塔莉太多不一样了，有一种安静的性感即便不一定表现得精明伶俐。

很羡慕那样的一段情感，虽然有点装模作样。

这种装模作样都让人憧憬。

这就是生活，你得为自己编排出好多骗局让自己以为在享受。

知道有那样的一个人，是谁不重要。

你能记得有过这样的一种很柏拉的暧昧，最后没有落进常规。

那就真的美好。

美好就是得不到。

就这么矫情。

科波拉的处理还是很自我很含糊。

这种含糊的好处就是大家看完电影之后的想法出入很大。

虽然迷失东京有点浮夸啦矫情啦。

仍能看到导演的内心想寻觅。

每个人寻得自己想要，便足够。

就算最后我们又遇见。

谁会在乎说了什么。

很多时候怕得到比怕失去更深重。

得到了你不会记得如何失去。

未发生你永远在念想。

斯嘉丽回头笑了。

没有什么是注定。

只是偶然。

最后又在人群里见到你。

然后，继续生活，与你无关，勇往直前。

回忆只是有关于未完成才更珍贵。

即便臆想。

（二）地图。

时光。

那么遥远的。

好像我看你那些孩子气的光怪陆离的文字。

你看到太多真相。

真相只是真像。

那都是你太紧张。

所以你不快乐。

直到你妥协。

直到你重获自由。

（三）怀念未遇见。

开始回忆很多事情的时候就意味着开始失忆。

不知道这段时间都忙着做了什么。

好像没什么抓得住，没什么要纪念。

留作纪念都是不需要纪念的。

等我再想起这个三月。

我还有过什么呢。

我记得一个人。

他为自己做一些事为自己骄傲为自己快乐为自己伟大。

他也希望被纪念。

为什么他可以看透这么多即便未得到过。

我看我究竟能做多少我看我究竟能做多好我看我会不会像你一样。

我认为一切有坚持的人，不管在公众标准上是否被称之为合理，都是值得敬仰的。

所有的坚持都是一种神圣的自我意识。

值得尊重。

倔强也罢。

傻瓜也好。

有自己标准的人，在意不是这些。

而何况是这样的坚持。

你的想象还是别人的梦。

说什么也都是那样。

先看到终点。

并且不害怕。

这样的倔强和坚持。

所以才能一直往前走。

一个人到底可以这样坚持多久。

生命是用来这样挥霍的。

原来真就这么简单。

电影的评论各位说了那么多。

我也就不再多废话。

我的意见是，如果哪怕仅仅为了OST去看这电影，也是值得的。

原声的作者是shoegazing/dream-pop名团My Bloody Valetine的Kelvin Sheilds。

同时请到的还有Air作的两首BGM。

电影中Bob他们在舞池里面跳的那首歌也很棒吧？

那是90年代的Synpop（合成器流行）乐团Phoenix的Too Young.这个团虽然没有大的名气，但是这首歌却是不能错过的。

当然还有结尾处的Jesus & Mary Chain的 Just Like Honey啦。

白色噪音烘托气氛一级棒的。

最后部分还隐藏了Bob 唱的那首歌电影里面Scarlett Johnason唱的那首歌是Pretenders的Brass in the Pocket，但是SJ小姐唱得那个可爱哟总而言之，以Dream pop为总体背景的这张OST非常好的体现了科波拉小姐想表现的内心的疏离感和无力感。

有时会突然产生跨上背包远走的冲动，也许去一个向往已久的地方，也许去某个从未听说过的陌生之地；有时站在地铁站台等待列车进站，会很想要纵身跃进冰冷漆黑的隧道，然后在地铁逼近的最后一秒奋力逃离，或者干脆懒于逃离，像海子那样跟生命中不能承受的轻与重开个小小的玩笑。

潜意识里这样阴暗的想法，让我自己回望时都有些不寒而栗，不免有几分后怕。

可仔细想想似乎又没有什么，只是妄图背叛一尘不变的生活，这残酷而乏味的生活。

举起手枪在半空中扣动扳机，击碎沉闷凝滞的空气，我可不想就这样庸庸碌碌地活到五六十岁，还不曾跟随自己的心灵去做真正想往的事。

因此他对她说：“我正在策划一场逃离。

首先逃离这个酒吧，接着这个城市，再是这个国家。

你愿意加入吗？

”于是她莞尔：“算上我一个。

”所谓东京不过是个幌子。

对于寂寞空虚的人来说，孤独无聊的虚无感总是存在于斯，只是强烈程度有时发生改变罢了。

但东京确有她的特殊之处，这个交通拥挤、空气污染严重的典型国际化大都市，有着比其他任何地方都更多的对抗无聊的方式：卡拉OK、游戏机房、色情酒吧、日本漫画、街头巷战……如果你嫌这些东西太过低俗的话，甚至还可以去著名的神庙。

也许就像片中那个性格夸张的女明星说的，东京是最为接近佛学真谛的地方。

只是无论何种方式，都无法真正填补灵魂最深处的虚空。

而东京又是一个矛盾的所在：礼貌得略显造作的繁文缛节和冷酷无情的氛围，苍白得如同傀儡娃娃的新娘和艳俗地卖弄风骚的脱衣舞娘；高耸入云的摩天大楼以及世界尖端的电子技术和东京人矮小的个子。

至于他和她呢，一个是四五十岁正面临中年危机的电影明星，为了暂时躲避妻子忘掉儿子的生日和接拍报酬两百万美元的红酒广告来到异国他乡；一个是二十出头刚毕业于耶鲁大学哲学系的高材生，跟随身为摄影师的丈夫来到这里，面对未来茫然无措，甚至都没有一个可以倾诉的朋友。

两个迷惘的美国人，光怪陆离的东京，语言不通带来的闭塞感，背景文化差异引起的强烈冲击……于是孤独与空虚被前所未有地最大化，随时一触即发，喷涌而出。

这部没有太多故事情节的文艺片恐怕教许多喜爱主流电影的观众失望了，缺乏好莱坞大片必要的震撼因素，通部基调如同清淡的新茶。

况且男女主人公之间的关系也暧昧不明。

不是某些电影介绍上所说的婚外恋，没有性，似乎也没有爱情。

可是这样简简单单的旅伴关系又何尝不好呢。

生命本是一场通向不可知的旅行，我们都是不得归宿的旅人，无以聊赖，在劫难逃的是终极的虚无与孤寂。

是的，生活就是一场游戏一场梦，是德加画中青绿色、诱人而致命的苦艾酒，像存在主义者们所说的那样在茫然不安的瞬间显露出它的真相。

而所谓的理解也可遇而不可求。

我很喜欢这部电影的一张海报，女主角撑着伞走在熙攘的东京街头，表情淡然，背景正中的高楼上方赫然写道：“Everybody wants to be found.（每个人都希望能被找到。

）”意境与一首叫做I’m with You的歌有那么几分相似：我站在天桥上，我伫立在黑暗中，望着面无表情、脚步匆匆的人群，等待某人来将我找到。

我不知道你是谁，但我明白我是与你在一起的。

就像谁说过的，我们在粗略之处皆是知己，在细微之处都是秦越，就算是最为相爱的人之间也有不可逾越的鸿沟。

能够在迷失之时为一个可以听懂自己所说的话的人重新寻找到，我还有什么可奢求的呢？

别无所求。

就这样像两个无依无伴的、不合时宜的小孩一样靠在一起为彼此取暖，好让暴戾的生活略微收敛起他狰狞可怖的面容，多好。

电影只有短短的102分钟，动人的相遇也将很快走到尽头。

轻轻的拥抱、浅浅的吻，还有她哭红的双眼和他嘴角一丝难以捉摸的微笑，从此又是两个不相干的孤寂旅人，无依无靠，各自用尽全力默默走完余下的旅程。

但稍纵即逝的萍水相逢却已成为生命中的一部分。

我认识你，永远记得你，杜拉斯藉由她中国情人的口说。

毕竟虚无和孤寂是最终的宿命，你逃不掉，而我，也不能怎样。

所以只好借他曾用来安慰她的话安慰自己：“你还那么年轻，以后一切都会好起来的。

”会好起来么，或许吧。

我结婚了25年的老婆不懂。

我的女儿不够大。

我的经纪人在乎利益最大化。

我不在乎。

我的你你知道就好。

Baby. I'm so into you.我是个恶俗的人。

在最最开始就预测了一夜情或者几夜情的发生。

但是在最后我几乎在哀求导演，不要。

性可能很美。

但不会无以复加。

但也会破坏一切。

手碰在一起的时候该知道的就都知道了。

拥抱是最亲密的。

很多时候，很多事情都可以做，除了爱。

很多时候，很多东西都拥有，除了爱。

更多时候，只有爱可以做。

Listen to the girl.As take half of the world.有些人认识再久还是人。

有的人一眼便是神。

有人在眼泪中离开或是让我走。

我也同样义无反顾的不知道在谁的眼泪中走掉。

All right。

对司机说。

对自己说。

对已经确定的关系说。

对一段不需要确定的关系说。

对现在说。

片名叫做迷失东京。

其实只是更确定罢。

我记得电梯里面那个手足无措的吻。

好像毫无准备。

好像第一次处子的战战兢兢。

只是是个早就值得的吻。

工作让他们住在一起。

巧合在街头道别。

以后谁在乎。

当对这个世界了解得越多，对自己了解得越多，就越会拒绝。

不是不可能。

只是不而已。

我喜欢这种心照不宣的默契。

虽然看见房间有别的女人还是会生气。

在气什么。

不知道。

我爱你。

I love you 被卡在了电话之外。

听了25年或更多会腻吗。

当这已经是爱的程序化。

我们永远不会知道他耳语的是什么。

也没有必要。

我不会猜。

但是可能是在电话挂掉后的踌躇吧。

微笑。

Bigger。

Bigger。

不是也很好。

不懂的人永远不会懂。

我的你知道就好。

不知者无罪。

所以哪个神明会怪罪站在寺庙门槛上的夏洛特。

不知者无罪。

所以我不会迁怒于你。

旅途总是会结束的。

不是谁不够勇敢不会义无反顾。

这可能也是一种点到为止吧。

夏洛特还在期待晚上的见面。

冷笑话你懂就好。

我的文章你不必看过。

眼睛你看见就好。

我的过去你不必了解。

微笑你明了就好。

我的难过你不必难过。

再见可能再也不见。

也可能再次相见。

我们只能决定自己的方向，但是预测不了生活的走向。

我们可以接受，现世却会拒绝。

生活在我们察觉之前就早已离开。

一去不返。

不怕。

我们还可以闭着眼睛话家常。

You are not hopeless.我的妈咪不会告诉我。

我的朋友不会告诉我。

我的兄弟姐妹不会告诉我。

我的老师不会告诉我。

我不在乎。

因为我的你让我知道。

早已经困了，却迟不能入睡。

这些日子自己的身体仿佛在不停做长途的旅行，出发，然后回来，完全不受自己的控制。

我的脑袋里仿佛永远有一个模糊的时差，在中国的时候知道法国的时间才合适，到了法国后，却又开始想念中国的日出日落。

多少次在高高的空中看见壮丽的日出和略有凄凉的日落。

大片的云朵延伸到遥远的天际，弧形的天空呈现出壮美的色彩……而那些时候飞机只是前行，带着一个总也困倦的我。

一不小心便又忘记了时间，甚至丢掉了位置和方向的我。

下午的时候坐地铁赴约。

不用地图，不用思考。

只如同生活在这里的大部分人一般，似乎早已经习惯了这里的一切——换乘站的某个转角会有免费报纸，站台上的健达缤纷乐永远都是两块钱，车子的最后一节车厢永远都会停在这个位置，随车卖艺的男人已经演奏了3个月同样的歌曲……大家都说这里的人们并不愿意常做改变。

当然，爱情永远会是例外。

于是索性在与老师的约会中聊起爱情。

老师问我是否有做好至少再留在这里三年的准备。

我微笑着点头。

他说这三年也许并不容易，你看以前的你和现在的你，会不会觉得失去太多。

我半晌低头不语。

最后说，你看我……永远没有足够的朋友，但永远也不缺朋友。

你如果一定要追问我的失去和获得，那也许只有“孤独”这一样值得品味的事物。

呵呵，那么久那么久，我独自居住在这座巨大城市的某个角落里。

不停地听自己喜爱的歌手的歌，吃自己做的难吃的晚餐，然后打开窗子看着并不遥远的铁塔发呆，眼皮下的城市灯火安静闪烁……除此之外再无他物。

偶尔喜欢一个女孩，女孩却只会在这里做短暂停留。

我们只可以用奇怪的法文交流，却乐此不疲。

在冬天空荡地老街上我们小心翼翼地接吻，在深夜骑车横穿整个城市。

我问她，为什么，我们两个外国人，用着这个国家的语言，却始终可以明白彼此。

她说其实很简单，只因为我们了解彼此作为“异乡人”的孤独。

那晚我们靠在一起看《迷失东京》。

“你瞧……东京。

我要去的地方。

离开德岛后我用4年适应京都，现在又会是新的一切。

真担心啊……”我只可以记得她这句话。

一段时间后她回去找她的男朋友，我继续在这里生活。

多么平常的事情。

与老师的约会结束后返回地铁车站。

我刻意在地铁图面前认真看了很久，看遍了这张复杂图片上的几乎每个角落。

以前住过的地方，现在住的地方，认识的人们的家，或者只是路过的地方。

其实一个月前在伦敦和香港，认真阅读那里的地图也是我出门前必须要做的事情。

我不明白自己为什么要试图去认识一座完全陌生的城市，去故意地知晓那里的一切，包括如何搭公车，如何买面包，或者只是把手表调到当地的时间，弄清楚自己的位置和要去的方向。

总在长途飞行的飞机上丢掉这一切，却也总需要把它们一次次拾起。

第一次看《迷失东京》的时候在北京。

这座并不是我的家乡却给了我太多的城市。

是不是因为就要回去，所以此刻我的身体，已经开始去适应那边的你：）PS：未来的日子总那么的不确定。

如果可以足够养活自己，倒也想有机会去到东京。

哈，其实像你说的，决定这样生活下去，很让人担心啊！

如果你看过《迷失东京》，你绝对会对斯嘉丽的这个开场镜头过目不忘。

一个成熟女人侧躺着的背影，伴随着粉色内裤下若隐若现的曲线，“Lost In Translation”的片名渐渐显现。

事实上，19岁的斯嘉丽饰演夏洛特时很羞赧地拒绝了这一暴露的表演，最后导演索菲亚·科波拉亲自上阵演示，才解除了斯嘉丽的疑虑。

我们看到这个镜头时会想什么呢？

迷 失 东 京 单薄的背景欣赏19岁的斯嘉丽成熟有活力的身体，我们感知到一股暧昧和诱惑，它也许左右着后面的剧情发展。

也许你会好奇她在想什么？

她之前做了什么？

导演索菲亚·科波拉跳过前情交待，让我们直接面对这一镜头语言。

它到底要说什么？

迷失东京剧照——夏洛特在这个孤独漫溃的异乡，刚刚哲学系研究生毕业，前途茫茫的夏洛特（斯嘉丽·约翰逊Scarlett Johansson 饰）随摄影师丈夫来东京游玩，工作狂丈夫无暇顾及夏洛特的情绪和心声。

两年的婚姻开始有“初痒”的征兆：在习以为常的相处中缺乏激情和沟通，爱的热力渐渐消隐。

迷失东京剧照——鲍勃·哈里斯夏洛特二十出头的茫然心境恰似鲍勃·哈里斯（ 比尔·莫瑞 Bill Murray 饰），事业走下坡路的电影明星面临的中年危机。

在夏洛特呈现臀部曲线的镜头之后，是鲍勃疲惫地靠着车窗，恹恹地看着快速滑过的光怪陆离的东京街景，我们听到恍如梦境般空虚无着的背景乐，蓝色的冷色调将两个同是夜晚发生的，虽然长短不同的镜头并置起来，演奏两人的孤独序曲。

粉 色 内 裤 低调的暗示再回到侧躺在床上的夏洛特。

索菲亚曾在采访中提到，镜头的灵感来自美国照相写实大师John Kacere的画作，他的许多画里都有相似的构图，穿着内裤的女人侧躺着，呈现光洁紧实的躯体中段。

John Kacere作品一反画作的明亮，索菲亚在此之上，赋予画面冷色调的背景，夏洛特在床上侧躺着，眼前是失焦的窗帘的波澜。

画面没有引人色情的窥探，也不存在对性感女性的物化，它呈现饱满的成熟的美感，然而包裹在夏洛特性感身体之内的灵魂却仍旧茫然、青涩。

夏洛特穿着粉色内裤的镜头第二次出现时，她的摄影师丈夫回来了，在酒店的地板上手忙脚乱地收拾摄影器材，对妻子费心布置的樱花主题的房间视而不见。

穿着粉色透明内裤的夏洛特在他眼前走过，他照样没有情趣地视若无睹。

画面给出了指向寂寞少妇的第二重隐喻——成熟果实无人采撷的缺憾。

粉色内裤这一性感美丽的视觉符号被悬置了。

丈夫无视夏洛特的美。

与它第一次出现时的冷色调一样，被压抑成了一个寂寞的符号。

与影片孤独的主题相应和。

“Lost In Translation”许多含义消失在翻译里，在东西方语言的碰撞，在人与人之间的难以走心的沟通，也在夏洛特、鲍勃各自夫妻关系的习焉不察里，流失了理解和关照的关键。

孤独是他们共同的语音 寂寞的个体有意思的是，影片给予两位主角不同的动作趋向，一个向内，一个向外，最后两人走到一起。

鲍勃·哈里斯的场景往往在室内，他渴盼内在的平静、安全感，然而酒店房间里淋浴头太矮，电视节目太让人无语，就连他年轻时的电影也被搞笑地配成了日语发音……一切都无法让他平静。

此时的镜头捕捉比尔·莫瑞那张倦怠、喜感的脸，摄影师给予了咖啡色的偏阴郁的暖色调。

夏洛特的场景往往在室外，她茫然地行走在十字路口，在地铁上看到蛛网一般的路线满脸的不解，在古老的寺院里好奇地谛听雄浑的钟声……她向外追寻生活的意义和答案。

此时常用广角镜头凸显她的形单影只，用中景拍她在陌生环境里郁郁的眼神。

镜头色调采用以白、蓝为主的冷色调。

摄影师用这两种鲜明的风格来完成了两人不同层次的寂寞表达，也为两人的相知相惜提供了坚实的心理基础。

正因为彼此的孤独、惶惑才互相吸引。

博尔赫斯说，我用什么才能留住你？

他在最后写道，“我给你我的寂寞、我的黑暗、我心的饥渴；我试图用困惑、危险、失败来打动你。

” 孤独是他们共同的语言，通向心灵的道路。

爱 的 心 境 In the Mood for Love两个已婚的人虽然彼此心动，但没有逾越禁限，仅仅“发乎于情，止乎于礼”的婚外恋情，是不是像极了王家卫的《花样年华》？

索菲亚·科波拉在领取76届奥斯卡金像奖最佳剧本奖的时候，向王家卫致谢，感谢《花样年华》带给她的灵感。

《花样年华》的英文名为In the Mood for Love——爱的心境，恰是夏洛特和鲍勃之间所未经言明的。

他们太沉迷于心灵的交流，以至于不敢迈出肉体的一步。

这种柏拉图式的精神恋爱带来的对肉体关系的敬畏，表现在两人画面的构图里，他们之间始终带有一定距离。

只有在逃狱的游戏里，他们从时尚的酒吧手拉手逃出来，第二天又从脱衣舞会场逃出来，跑得气喘吁吁，笑得放松而恣意，这时候才缩短身体的距离。

虽然画面风格上大相径庭，相比于《花样年华》的浓墨重彩，瑰丽灿烂，《迷失东京》来得简素多了。

然而，夏洛特和鲍勃两人之间气场的暧昧流动，以及他们之间“逃狱”的游戏举动能看到《花样年华》的影子。

还有一处相似，是那句扣人心弦的提问，“如果有多一张船票，你会跟我走吗？

”《迷失东京》里化为更真挚的表白，鲍勃闪烁着泪光，说：“我不想走。

” “那就别走，留下来陪我。

我们合一个爵士乐队。

” 夏洛特说。

此时，玩笑，是最安全的进退距离。

世界上最温暖的拥抱 低调的暗示在这部导演自传性质的电影里，也许正因为这份私人的情感代入，在观众心中产生了更真切的共鸣。

每个人在某一阶段都会有没顶的寂寞，“I don’t feel anything.”失去感受力形同枯木地活着，无从释怀前途茫茫的恐惧，还有我们很难提及的对婚姻的失望。

“你的生活，在你察觉之前，就已经完了，一去不返。

”鲍勃对夏洛特说，但接着他宽慰地把手放在夏洛特的脚上，说：“你还有救”。

但同样经历人生低潮期，未必有遇见一个鲍勃的幸运。

很难想象会有谁比比尔·莫瑞更胜任鲍勃这个角色。

他是那么亲切、可爱，捕捉到了中年男人的珍贵特质，那倦怠牢骚之下的时光带来的智慧，以及他大男孩般的幽默天真。

比尔·莫瑞有奇妙的力量，让这一切发生不带有色情想象。

他让两人纯洁的“友谊”有说服力，他成就了一个温暖人心、独具魅力的银幕形象。

索菲亚导演了两人相知、相惜、争吵、释怀、分别的整套戏码。

这些层层递进的感情环扣，指向了最后时刻的高潮，不舍的分别拥抱。

许多人一遍遍地重看这部2003年的经典影片，也许是为了最后这个温暖至极的拥抱。

当鲍勃拨开东京街头熙攘的人海，找到夏洛特，用力地抱住她，给了她纯洁的一吻，最后在她耳边说了一句悄悄话——时间就此停止吧。

好吧，这句耳边絮语被刨根问底的油管影迷用减弱背景音的技术破译了，据说有三个版本：版本一：等你回国了，我把你介绍给Wood Allen.（好吧，我就是来搞笑的）版本二：I love you , remember always tell the truth.版本三：（据说是正解）I have to be leaving… But I won’t let that come between us. Ok?但导演索菲亚坚持只有他们两人听到的浪漫。

如何跟人形容这个拥抱呢？

那是炸裂的感动，感谢这个世界有你的存在，感谢你的温柔。

原来你也和我一样……它将整部电影升华了，这不再是一出《魂断蓝桥》般的遗憾悲剧，它给人阳光和勇气。

最后，鲍勃和夏洛特含着泪，朝不同的方向离去。

他们带着这份珍重于心的离别，再次有了与世界对抗的勇气。

那疏离、异化的东京也变成有情的城市了。

最后一组城市晨景的流畅镜头与开场时朦胧梦境的夜景镜头相对比，一个城因一个人变得让人无比眷恋难舍，我们追随镜头，一如鲍勃的目光，与东京的建筑一一告别。

BGM响起，Listen to the girl,——As she takes on half the world—— Just like honey.(倾听这个女孩，因为她等于半个世界，就像蜜糖）（发于“那特艺术学院”微信公众号）

　　寂寞孤独的人有时很清高，他们习惯冷眼旁观，讥讽的看着周围的人每天认真的无聊着，就象夏洛特看那些专心插花的日本主妇、哈里斯在游泳池边看辛苦减肥的女人们，他们喜欢自己在一旁随意的做些什么，从不参与，认为无聊的人才会对被别人支配的事情乐此不疲。

寂寞孤独的人有时也很自卑，因为他们觉得看别人无聊的生活本身就是更无聊的事，反倒是那些认真无聊的人每天过的很充实，按照别人的指挥度过算是自己的每一天。

到底那种生活更好，有时真的很难判断。

寂寞孤独的人更敏感，周围发生的事情很容易让他们联想到自己，越是热闹喧嚣的时候越反衬出他们的孤寂，当望着车窗外五光十色的街道他们会流下眼泪；当与别人一起在深夜里疯狂K歌时他们更习惯坐在外边；而当他们独自躺在床上时，他们却难以入睡。

正如前面说的，他们孤独寂寞不是对现在的生活感到厌倦，而是对生活本身。

描写婚外情的电影搂来一大把，无非就是两个相见恨晚的饥渴男女颠鸾倒凤最后又无极而终的老套情节，如果不是我太寂寞了而手头又没什么合适的三级片可供娱乐，绝对不会去看这么一部难保也要坠入此间俗套的好莱坞电影。

一个过气的电影明星，一个步入中年危机的秃发男人，跑到东京拍一部无趣的啤酒广告，他甚至无法和周围的工作人员沟通，而为了避开这维系了二十多年的沉闷婚姻，一迈脚来到了这个名曰“东京”的古怪地方。

那里看似一座噪音鼎沸的钢筋森林，霓虹灯迷住了过路人的眼睛，难以理渝的鸟语、压抑中变异的人性、声色俱全的夜生活和被工业化浸染过的一切不可思议的东西……可是他照样逃不过妻子半夜发来的传真和无时无刻不追着他的电话，那该死的红色地毯好像就是他们如今生活的缩影，沉闷的可以使人窒息。

一个在电影一开始就用两瓣美若洋桃的屁股瞪着观众的妙龄女郎，足足三十秒，如果看不到股沟那就是你的视力绝对有问题。

我想今晚我还是逃不出色情电影的圈套，my god！

她时常穿着内裤显露她的大腿，而胸部的跌宕起伏也足以让一个中年男人飘飘欲坠。

可是没想到导演的安排竟然不在我的想象之内：她读书读的是哲学、喜欢写作却写不出像样的作品、偶尔拍照又总是归于俗套、结婚两年却不知所嫁何人（丈夫和她的生活节奏完全不在一个步调）——我竟然慢慢由厌烦喜欢上这个女孩，有人说过，文学作品中的共鸣往往基于一些相似点。

两个一样在半夜睡不着的人出入在同一所酒店的夜幕下，酒吧昏暗的色调和红发女郎带着磁性的歌嗓，眼眉之间传递着暧昧。

我都在一旁焦急，赶紧“办”了吧，前面的铺垫已经做的很好，果然那个中年男人抱着酒醉的MM进了卧房。

他把女孩轻轻的平放在床上，但却拉起被子盖在她的身上，离开的时候用一双有着男性棱角的手轻柔的在女孩裸露着的肩部摸了一下，一带而过的举动，却万般柔情都凝固在了他转身而去的背影里。

他落寞的走出房间，我甚至感觉到他的步履沉重和一颗心每每的回头。

是个正常的男人都会对那珠圆玉润的女孩躯体产生幻想，可是他忍痛的离开却更让女性观众为之倾倒，那是成熟男人的理智在焕发光芒，虽然欲念被悬挂在了一线之间，可是爱的表达已经无边际的蔓延开来。

从头到尾没有一场激情戏，也能让观众坐的四平八稳不想离开银幕——钦佩导演的拿捏本领，终于使得这部影片在剧终之后人心不散，余香缭绕好像一味芳香持久的东方麝香，醒脑却不伤脑。

不愿绞尽脑汁去猜想最后他们耳语的究竟是什么话题，音乐声已经慢慢掩盖了他们的身影，我仔细的看了一眼，他们最后都是面带微笑的。

兴许迷失本来就是一个故事依附之上的调调，而回归才是生活的主旋律，他们找到了自己的目标没有？

那笑容兴许可以解释一切。

我竟然全篇写下来洋洋洒洒千字没有提及电影的名字——《迷失东京》！

正如海报上说的那样：Everyone wants to be found。

你会有发现。

Lost in Translation arouses controversy despite its success with the Oscar. People accuse Sofia Coppola of exaggerating the hysteria in Japanese character and lifestyle, and therefore of being biased towards the nation. The accusation seems funny to me. Coppola has been, as far as I’m concerned, shooting the movie from the perspective of a traveler, who, just like Bob and Charlotte, is making his/her first trip to Japan. As a traveler, everything in a new land strikes one fresh and sharp, consequently, one’s impressions tend to be more or less stereotyped and exaggerated (if put to later judgment)—by no means are they perfectly impartial. How could they possibly be? Coppola is clever in at least one thing: she doesn’t even try to analyze the myth of Japanese psycho (or the “puzzle of chrysanthemum and sword”, etc.), still less to solve it. Hers is more of a prosaic narrative style than a fictional one, the later inevitably involving a certain degree of argumentation on the part of the author. Coppola didn’t do that. She presents. We ponder. As we ramble about the country with the characters, we find the directress’ gesture both comfortable and suiting. The distortion of female identity is, if not the most significant one, a quite interesting theme of the film. Charlotte represents various dilemmas of her sex. She’s highly educated, well married, charming, sociable and intelligent, but can’t figure out what to do with her life. Her marriage isn’t satisfactory. Apparently she and John love each other, yet John is no match of her in taste and insight. She’s critical. He’s congenial. She tends to categorize and rate people at a few glances of their manners and personalities. He, on the other hand, embraces them for what niceness that’s in them. In expressing affection he’s sincere yet awkward. He takes her as a little girl who must be reassured of her boyfriend’s love by words. Remember the hasty “I love you” he murmurs every time he leaves her? As a woman, she’s naturally content to hear that, but that content is transient. She’s unfulfilled, both as a wife and a woman. She challenges him by paying little attention to his incessant complaints about work and asking irrelevant questions like whether he thinks the scarf is done. He responds by similar indifference (“Oh, I…I don’t know ”). They are at the same time together and apart, and this is but the second year of their marriage. Charlotte’s agitation about the future mainly comes from her fear for mediocrity. She has to maintain the sense of superiority to feel good about herself. When she says she hates what she writes, the implication is that her standard is high. Consciously or not, she holds the same kind of superiority describing her photography as “mean”. (Let’s remember that John, the bread-earner, is also a photographer.) Her dilemma is the dilemma of her sex. Man has his socially supposed gender character (to proceed, to excel, to climb the social ladder, etc.). To be equal to and as “complete” as man, woman has to abide by her gender character (to charm, to comfort, to take care of the household). But by being a “complete” woman, she becomes incomplete as an individual. The first scene of the movie, which focuses from the back on Charlotte’s stirring legs in the pinkish, tender daylight, best portrays the intangible restlessness of the female sex. Woman loses this or that part of her identity in a world of man. Tokyo is but one of the stages of that general loss.Nevertheless, Tokyo as a stage is particular, and abounds with extremities with respect to the loss-of-female-identity theme. This is a place where working women (especially the highly paid white-collars) are split by the double standards exerted respectively by society and family. There’s the madwoman episode. I say “madwoman” just for convenience’s sake. The woman who forced herself upon Bob in the hotel room is but too typical. Before entering the room, her air is all business-like and official (“Short and sweet”, as Bob described the “Japanese style” on being received into the Park Hyatt), but after trying to seduce Bob in vain (Bob refused the “massage” she offered), she burst into hysteria all of a sudden. Maybe hysteria isn’t the right word. From her constant shouting of “Let me go!” and “Help please!” we see that she was kind of fancying being raped. She saw the widely worshipped, elegantly melancholy and perhaps exotic (Bob is a Westerner) movie star as a fit target of her sexual fantasy. (Remember the name of the massage she offered, the “Premium Fantasy”?) Very likely she’s a Masochist, fulfilling her desire, which would possibly have ruined her career and reputation if practiced with and known to her own people, by fancying being sabotaged by a mysterious stranger. It’s easy for us to imagine her working diligently and scrupulously, as well as playing impeccably the role of a tender and caring housewife in real life. Notice the alikeness between her smile and the professional smile of Bob’s interpreter—one thing that amazes me is how these Japanese women smile in a same way as if they have, in some annual assembly, fully discussed and reached an agreement upon the degree of the lips’ curve—the same over-courteousness, the same eagerness to please. By accepting the given role and faithfully carrying out the gender responsibilities that set limit to her personal caliber, woman for sure gains her share of satisfaction and sense of security, but in that process she’s been constantly denying herself. She can’t be satisfied in all aspects. She must and will give vent to her unfulfilled feelings, though not necessarily in the form of sexual perversity as we see in the madwoman episode.(The bride that Charlotte saw in the shrine gives a most vivid and heart-felt image of woman accepting her gender role willingly and consciously. In traditional Japanese kimono, the bride seems all readiness to comply with the androcentric value system and to exert herself to have it maintained.)There’re other lost women in the film. For example, Lydia, who has lost at least part of her identity in playing a model mother and housekeeper; Kelly, the supposedly “anorexic” action star, losing herself in a dream that would at best lead her to be a most exquisite and decorative ideal of her sex. Coppola’s touch of this sensitive theme is as subtle as it’s thought-provoking. Did Charlotte find her way out of the mass maze at the end of the movie? This I doubt, because the “loss” that’s been afflicting her is no accidental and personal one. It is a loss of the gender, of “the second sex”. I cannot but find the woman-being-enlightened ending tacky and unconvincing in a Hollywoodish style. Fortunately, that doesn’t shun the door to the various possible perspectives that we may adopt towards the movie (as well as its title). Possibility is everything. I guess that’s why Coppola’s detachment (which is not easy, and is likely to be spoiled by a single detail, such as Bob’s speaking instead of whispering to Charlotte in the street at the end of the movie) makes us so at ease.Apr.2006