戏梦空间

冲着有趣的主角配角设定进来看的，没想到浪费了我2个小时，以至于我一定要发我在豆瓣的第一个影评，这个电影是怎么打到7.6分的？？？

不要以文化和艺术做遮羞布来遮掩混乱的剧情线和逻辑表达。

除了女主角好看，身材不错，其它真的是坨。。

莫名其妙的科幻片，4分慢走不送（本来要给2分的，多的2分给女主）！

它会卡带，会被剪辑，会回放，你会遇到各种各样的人，他们是黑白色，他们不能说，他们看不见，他们会音画不同步…..但这世界还有另一个“完美”的版本，它有音乐，有字幕，有歌舞剧，有饱满的情绪，里面的人自带bgm，永远光鲜….你愿意活在哪个世界里呢？

最后的最后，黑白色的人生也有饱满的感情和动人的音乐，而做超人的主角也会怕高，演爱情戏的人也会用水管制造氛围，他们也会念不齐对白，也会有自己的缺陷。

打开最后一扇门，我们都存在于这个灰色的有无限可能的剪辑地带，我们的人生不是被设定好的，人与人之间的交集就是会碰撞出无限可能字幕有什么意义呢？

给观众看的。

我从来都不相信观众。

《戏梦空间》可能是我今年看过最有趣的电影之一。

首先，影片设定相当有趣新颖。

单看背景设定，它很容易让人联想到《1984》《动物农场》《美丽新世界》等反乌托邦名作，故事中的人类社会同样被人为地划分成三六九等：上层掌握权力，制定社会规则，给中下层人洗脑，中等支撑社会运转，维护统治，下层供上层奴役，艰难度日。

影片中自创了一套以电影创作体系为基底的社会分级制度：主角、配角、花絮人物。

“主角”作为上等人，天生自带bgm，可以通过读心器渲染与表达情绪，因而随时随地都能戏精上身，又唱又跳，开演音乐剧。

“配角”们着装单调，只配拥有少数台词，主要任务就是化身复读机，在不属于他们的故事线中刷脸，给主角们捧场——复读意味着没有思想和独立思考。

除非他们能够通过考核，成为主角，实现阶级跃升。

相比之下，花絮人物则是真正的边缘人，他们被不存在的“镜头”和剪辑之手随意抹去，没有资格进入舞台中央。

他们往往是生理和社会意义上的“残次品”，有的面色苍白，画风诡异，有的音画不同步，音效嘈杂，有的随时会跳切，无法完整地说出台词，有的被剥夺了发声权，取而代之的是一坨糊在嘴边的马赛克。

他们地位低微，要么只能靠在工厂里加工音效过活，要么就只能偷鸡摸狗，游走于灰色地带。

更不幸者，会因为出不起数字化的钱而逐渐消失。

音效对应特权，出镜次数与对白数对应社会地位，数字化对应人物永生（相当于现实中的数据上传），诸如此类的有趣细节还有不少。

此外，为了服务剧情，使得世界观自圆其说，影片在视听语言设计方面也颇有巧思。

比如，在主人公的读心器出现故障时，音效突然出现了瑕疵与错乱，如果“主角”的对白被打断，bgm会立刻终止；比如，人物同框对话时，可以明显听到两人的声音分别是左声道与右声道。

再比如当角色挂掉电话时，会出现短暂的右侧黑屏，示意该人物已出镜。

还有一处令人印象深刻的桥段——主人公帮助其他花絮人物夺回了他的“话语”，逃亡路上被“剪辑之枪”射中，三人不断被倒带，重复逃亡、被射击的过程。

“剪辑”，是对片中人物的终极控制，也象征着最大的权力。

“反乌托邦➕元电影”，不出意外，这应该是绝大多数观众从未想过的排列组合。

更值得赞叹的是，影片并未像很多科幻惊悚片那样被高概念绑架，沦为外表华丽，内里空洞的纯脑洞作品，而是成功打通现实逻辑，从另一种维度打破了“第四面墙”。

最显而易见的，是影片中直指现实社会的阶级、种族议题的分级制度。

花絮人物被隔绝于主角的世界，被剥夺诸多基本权利，是种族歧视与种族隔绝的再演绎；电影中年轻配角们努力琢磨独白，以通过考试为人生目标的情节，是对中产阶级攀登金字塔，向上流社会投诚的犀利调侃。

当《戏梦空间》将人权具象化地拆分为“出镜权”、“创作音乐”、“拥有音效”、“字幕署名”等，创作者的表达便以一种戏谑又不失残酷的方式直抵了观众的内心深处。

一同抵达的，还有作品中弥散的对于文化审查的反抗与讽刺。

花絮人物为何不能拥有自己的音乐？

究其原因，是处于统治者的恐惧。

他们如此强大，又如此脆弱，他们惧怕自身的权威与统治在自由的表达面前不堪一击。

为此，他们要锁死创作的权力，将“创作自由”指派和下放给特定人群。

而失去发声权与创作权的“花絮人物”，也就此失去了联结彼此的可能性，“他们惧怕我们表达情感，他们不想让我们听到彼此的声音，想让我们忘记自我的存在。

”看到这，作为观众的我仿佛也被糊了一嘴赛博马赛克，瞬间与片中的花絮人物产生了共情。

不夸张地说，凭借以上设定，《戏梦空间》足以在反乌托邦作品的垂直赛道上一骑绝尘。

如果说影片中屡屡提及的“大屠杀”，还算是对历史事件的隐晦提及，那么最后一场戏，则可谓“图穷匕见”。

考核现场，一番真情独白感动全场观众以后，主人公葆拉毅然决然地抹去脸上的粉底，向众人昭告她花絮人物的身份，台下一片哗然。

恼羞成怒的主角们大喊，要把她删掉，花絮人物不得上台。

千钧一发之际，受到情绪感染的其余观众勇敢地站了出来，一边呐喊“那也把我剪掉吧”，一边宣告他们不为人知的残缺。

无须质疑，被异化、非人化的“花絮人物”可以被理解成犹太人，“主角”宣扬仇恨，将其排挤至社会边缘的残酷行径则对应德国纳粹对犹太人的迫害。

而主人公那句，“花絮角色是正常人，你们的仇恨是建立在谎言之上的”，既是人物的心声，也是历史的回响。

从整体上来说，本片可谓一部“后楚门”电影。

《楚门的世界》主角发现自己其实是个被全世界观看的真人秀演员之后觉醒，决定走出剧场，去往现实世界。

《人生切割术》中主角的生活被切分为“工作”和“生活”两种状态，而本片中的人物不再区分“生活”和“表演”，二者融为一体。

他们全然接受自己是个演员的现实，在无数个镜头与镜头之间，真正意义上的“真实”荡然无存。

从质疑观看与被观看，再到理解和接受观看，人与镜头之间“被动”到“主动”的关系变迁，折射出了时代跃迁的轨迹。

后者更符合当下这个互联网时代，在无处不在的镜头凝视与监控下，每个人都在修饰与展示生活，出演属于自己的真人秀，我和“生活”的距离全然取决于个人的曝光度。

区别在于，“我”可以是我自己生活的主角。

多层议题相互嵌套与重新编码，互为所指，进而延伸出新的意涵。

从技术难度、文本编排、思想内核等多个角度审视，《戏梦空间》无疑都拿下了高分。

最后，《戏梦空间》的故事走向和结局不免让人联想到现实中的这场好莱坞大罢工及后续的余波。

编剧们之所以罢工，除了想要反抗资本家，争取应得的利益，也出于对即将到来的AI时代的恐惧。

如若不然，他们的生存空间将进一步被压缩，这些好莱坞的“配角”总有一天会沦为“花絮人物”。

紧随其后的，是被迪士尼、索尼、环球、华纳这些行业巨头压榨的特效从业者，超负荷工作从未为他们换来应得的尊重与行业地位。

（《奥本海默》并未在staff表中完整列出参与其中的视效人员，《少年派的奇幻漂流》喜获奥斯卡，李安并未在颁奖时感谢特效工作人员，不久后参与该片的特效公司就倒闭了）《戏梦空间》的结局，是花絮人物们在配角、主角的拥簇下离开会场，在欢声笑语中迎来了片尾字幕。

好在，现实中的这场自下而上的，小人物vs资本家的微型社会革命也迎来了暂时性的胜利。

歌德中心德国电影展的第一天，许多观众奔着这一部而来，场地爆满，映后连线足有一个小时，导演非常可爱，整理一下现场问答，为喜欢这部电影的朋友们提供一些背景。

这是导演的长篇处女作，她之前是学心理学的，同时非常关注社会问题，拍过一些短片和电视剧，也为青少年做过戏剧。

这些经历在电影中都有所呼应。

对她来说，拍短片是一种风格练习，从内在自我的艺术化探索中，寻找属于自己的影像语言，这部电影中超现实主义与温暖的日常相互交织，构成了她目前最舒适的表达方式。

而拍电视剧像是在做一种效率测试，同时赚点钱（笑她对青少年心理的关注也构成了这部片子的主要线索，对少女葆拉而言，寻找父亲的痕迹、展开折叠的社会、定义真实的自己，三者在她的成长史中环环相扣，推着她跌跌撞撞地往前走。

最后推开那扇门通往成熟吗？

好像也只是人生两幕间一场漫长的延宕。

（感慨一下女主真的好萌！

至于大家关注的大量迷影梗，导演倒是表示她并不希望为这部电影设置一个百科全书的门槛，选取的雨中唱歌等场景都是好莱坞黄金年代的经典视听符号，重要的不是一一对应，而是制造出一个扑面而来的film metaverse，不过确实提到了阿甘正传，死亡诗社，雨中曲，等等等等，反正我是数不过来，大家可以评论补充。

谈到影片中的社会议题，导演坦白讲川普和他干的一摊子烂事是刺激她拍这部片的原因之一。

“排他”（exclusion）往往是通过定义“我们”的方式进行的，比如电影中的肤色和bgm，排他的叙事从来都不是出于偶然，也不是出于本质，而是一种动态的控制手段。

我认为这部电影区分于其他敌托邦的一点在于，它将情绪资本（emotional capital）作为阶级区分方式，这与弗洛伊德精神分析在二十世纪美国的发展相对应，人们逐渐掌握了自我叙述的语言资料，并形成了一个巨大的心理学市场。

从创伤到愉悦再到欲望，所有片段的情绪都脱离时空的限制非线性地组合在一起，定义了“我”，就像主角们自带的bgm一样。

主角就是心理学量表中经典的“健康”形象。

影片最后显然是拒绝了被更宏大的剧本定义，但个人的自我定义仍然存在悖论的，葆拉可以自我定义为主角吗？

是否仍然需要剁着脚一起唱阿卡贝拉的他者来参与这场反叛呢？

对这个问题，导演的回答很有趣，她说她所关心的并不是定义“我”的问题，而是“我”如何重新发现那些影响了自己的人和事物，以一种互相关怀的方式定义“我们”，用这种热忱的“我们”，来对抗那种种为了排他而设置的分裂和对抗。

我喜欢这个回答，它让我想起那句，it’s the similarities we share defines us, not the differences from others.

《戏梦空间》应该是我第一部完整看完的德国电影，而且还是有点科幻色彩的剧情片。

整个故事设定别具一格，但结尾总觉得有点不够味。

湖南企发文化的王老师说，如果是他写剧本的话，结局也许会更具讽刺意味：电影结束，镜头转向女主，她当然是电影世界的主角，主演这部反映主角和废材冲突的电影。

电影里的废材其实也都是主角或配角。

他们庆祝着电影的杀青，和嘲讽着真实世界里的废材。

这是一部为影迷准备的反乌托邦元电影，充满了对影史的回顾和调侃，“活不过一分钟”的小配角们，也有自己的悲喜人生。

影片的故事发生在一个特别的世界里，人们生活在电影中，社会被分为主角、配角和废材三个阶级。

作为一名“配角”， 葆拉从来只是在背景中出现，但她一直立志成为一名“主角”。

然而，就在最终考核之前，葆拉的“读心器”突然故障了，没有配乐渲染情绪，葆拉还能成功晋级吗？

这部影片的设定很有趣。

生活就是一场场被设计好的戏，戏和台词存在与否还将受到更高层级的审查限制。

演员们也分为了不同的层级，世界观的营造还算完善，每个人无论愿意与否都在尽力扮演好自己的角色。

世界里面人们分成主角，配角和废材。

最开始以为是想说社会阶层，有的人在世界舞台上按照自己的意愿改造世界，有的人被拒之门外，只能顺应规则，而有的人被动接受规则，无法在鲜活的生命中留下有温度的记忆与话语，就像是没有情绪，不需要被考虑，只需要完成自己所被分配的所谓使命，就像电视剧里没有背景音乐一闪而过的配角。

被抛弃的废柴，享受一切的主角，麻木的配角，大家沿着既定剧本前进，有人享受优越，不顾一切留住优越，又有那些不愿接受命运要破除牢笼的人。

失败者的记忆被篡改，胜利者也要篡改记忆。

电影想说即使每个人禀赋不同，面对不公，也要珍视自己真实存在的每一刻，珍视感动欢笑与泪水，珍视自己身边的人，在现实意义上，平等是如此血泪交错的征途，而在情感意义上，每个人都有自己的永恒，但是最后的虚空世界是惩罚还是新生呢？

湖南企发文化传媒有限公司的婷婷在其代写的解说词中写道，影片的创意和剪辑都非常棒，像是将《楚门的世界》写出了另一个视角和维度的版本。

但是这个剧本表现出来有些直接生硬，特别是围绕着女主青春期经历的自我身份认同展开，到结尾我已深深预感到她将要把黑白的一面展现在众人面前，以达成对“舞台”和“主角”的解构。

当成长故事伴随着阶级对立，被规训的意识形态权力话语空间一并出现，少女纤细和愈发蓬勃的自我意识无法承载如此庞大且复杂敏感的议题，便稍显疲软，也以一个诙谐喜剧感的，让我意想不到如此轻松的反差作为结尾。

这是群体版《楚门的世界》，反乌托邦的巧思之作，离佳作仍有些距离，因寻父的主线与对意识形态的批判存在间离，主题无法高效凝结，甚至最后开始歌颂母爱暴露出创作视角的涣散。

数据里的父亲怎么都查不到，场景里的公交永远都等不来，配角哪有资格载入历史，龙套哪有能力产生情感。

吞服的药片能把黑白变成彩色，偷来的胶囊能把音效当成狗叫。

我修复了故障的读心器，潜伏了废柴的地下城，逃过战火纷飞的剪辑，才明白固定台词，看雪花点电视的母亲给了我一座城堡，我却当成了牢笼。

影片最有创意的地方是将所有关于生活的细节统统转换成电影语言，阶级被划分为主角、配角、错角和废材，图书馆成了资料馆，睡觉前的活动成了蒙太奇，歌舞成了表达欢乐的方式，黑白胶片成了废材的生存形式……画面磨损、罐头笑声、马赛克、跳切等大量影视表达手法的出现，无疑是送给影迷最好的礼物。

生活是电影，人生是故事，主角一切通吃，配角不受待见，废柴举步维艰，身体还会变成黑白，姓名也被身份替代。

戏梦空间 (2022)7.32022 / 德国 / 剧情 喜剧 科幻 / 索菲·琳恩鲍姆 / 菲内·森德尔 茱莉·波维戏梦空间》：反乌托邦的巧思之作

第一幕，配角母亲培养主角女儿。

以主角式的的演技，烘托乌托邦式的现实，母亲和万千单亲妈妈一样，用自己的方式为孩子建立起按部就班生活壁垒；第二幕，朋友的无稽之谈助推葆拉突破防线，踏上了寻找主演父亲戏梦碎片的旅程。

途中受到废柴“管家”等人的影响，葆拉认清自我，为循迹父亲真相克服主角对废柴的歧视勇感前行，自己做航行的舵手。

在这里导演用新与旧，黑白与多彩的电影史来隐喻葆拉多彩的现状和黑白的本心，葆拉在新与旧的立场中萌生出自己的想法犹豫不决，不敢于表达。

第三幕，真相大白后的最后考核如期而至，上台前废柴“男友”在配角母亲的伪装下来到幕后用“静音瓶子”为葆拉加油打气，最后真实又直白的口述表达了母爱最伟大，换位思考体会到了做母亲的不容易接纳了母亲的做法，触动在场的“观众”……葆拉打破常规用自己微弱的影响力坚持、探索、改变，确定了立场得到了拥护，表达了废材也是不可轻易删减的觉醒，诠释了电影中饰演小人物的心路旅程和对废材形色眼光的深思引起观影人的共鸣……

和女票一起挑的这部 #戏梦空间 给我带来不小的惊喜，个人觉得是近几年最好的反乌托邦电影。

好久没看地这么酣畅淋漓了。

优秀的新世界观建构使它有了一个出色反乌托邦电影的基础。

世界是一台巨大的戏，人生映射为剧本，工作映射为出演，阶级映射为主角(main character)配角(supporting character)以及废材(outtake)，生活品质映射为专属声音背景音乐音效甚至小场景。

从宏观到微观，现实各物与电影名词的映射做的完整细节而巧妙。

电影选取非常有代表性的在主角学校就读渴望成为主角的配角女孩儿作为主人公(与英文名the ordinaries搭配的很好)，讲述其为了寻找早逝的“主角”父亲留下的回放，屡屡违反自己的剧本离开routine在这出巨大的戏里的探险之旅。

一个我非常喜欢的点事镜头和色彩的运用。

配角的叙事采用整齐划一的偏灰的冷色调，而主角的则使用各有缤纷的明艳的暖色调；也善于在画面内运用光线、空间体积、物体排布隔区等手法暗示人物的处境与站队。

(这是致敬闪灵吗hhh) 小姑娘在途中发现主角阶级统治这出戏时将优渥的物质和精神财富圈定为特权，例如只有主角身上安有读心器来根据心境播放背景音；配角一天天做叶子衬着每天不同的花，为主角跑龙套；outtake意为被剪掉的镜头，正如废角像印第安人一样被划定一块区域生活，日日活在盖世太保的阴影之下干着苦力，专属背景音乐被定义为非法，甚至皮肤都是黑白的不能有颜色。

他们的生活是不完整的，比如男主就像个高ping战士处处被剪。

代表官方的机构称作学院，在这出戏里不“合法”的声音会被他们审核(用一种机器把嘴封死)然后吐出一个小药丸，行为会被他们剪掉(用“剪辑之枪”射击)。

在这样的设定下很自然地讲述了主角在工厂将废材如燃料般压榨用完即弃，学院对所有人的高压统治与思想控制，废材区交易声音气味特效的地下市场，他们对自己价值的持有到被剥夺或放弃到再发现，集会游行试图革命并被镇压等等作为推进女主寻父路上的一个个节点。

叙事的详略和显隐分配的是不错的，比如把男女主“不合伦理”的情愫作为一条暗线。

很喜欢一个细节，最后的主角考试里为女主撑腰但没有台词不敢乱说话的配角们用脚剁地合起来打节奏真的胜过千言万语。

缺点不仅有也比较明显。

当叙事过于宏大伏笔铺垫太多，很容易出现的问题就是坑填不完填不好。

比如让女主皮肤维持颜色的药丸的来历，以及很重要的女主父亲的真相等都没有交代或语焉不详。

留下一个开放式匆匆结尾我不知道编剧是不敢写还是纯摆烂。

总之绝赞的设定加上没圆回来的诸多情节组成了这部电影，你可以说他完成度很高也可以说他完成度很烂，高情商：促进优质二创。

“睡前可不要太多蒙太奇哦。

”“他们让我们是黑白的，是为了不让我们看到自己的颜色；他们不让我们有读心器，是为了不让我们听到自己的声音。

”

初看简介，反乌托邦和影史致敬等让我误以为是一部背景世界观宏达，主题极高的作品，我本期待看到类似《头号玩家》那种遍地戏剧梗的作品，然而本片的观感却并非如此。

导演用了一个本可以玩出许多花样的设定讲了一种最朴素最纯粹的情感。

影片前大半部分都没有着重于表现世界观的设定，很多片子引入新的世界观会尽量的去以各种各样的方法填充介绍和完善，但是本片基本是单线，所有的视角故事全部没有离开过女主，只从女主入手，女主未经历过的未了解未说明的，片内就不会去多表现。

导致前半段观影会让我有这个世界观悖论很多，完全不完善，就是单纯提出了几个和女主相关的设定在拍而已，接下来要怎么自圆其说呢？

中间还会觉得有些枯燥和累赘。

觉得导演浪费了一个很好的世界观设定，不去讲更精彩的故事，不去完善世界观，在这里干嘛呢？

然后随着故事展开到了后半段，意想不到的转折开始慢慢涌现，父亲的真实身份，女主的真实身份，闺蜜母亲的真面目，废材区所收到的迫害，所谓的大屠杀真相是什么，当我们正在感叹于故事的走向可能要在两方对立上落幕时，女主上台进行了自己聚光灯下的独角戏，以一出真实的戏剧心声，正式揭露了本片的主题，将影片推上高潮。

母亲才是最伟大的配角。

回看整部电影，所有的线索似乎都在铺陈将大家的视线引到父亲身上，父亲是谁？

父亲在哪？

父亲的真实身份是什么？

父亲到底是什么样的特殊角色呢？

甚至连母亲的几句让人厌烦的固定台词都是直指父亲，母亲在这里就如同影片中的身份——配角一般，让观众集体忽略，而最后通过独角戏台词的引导我们才逐渐聚焦于母亲，影片内外呼应，角色与观众共鸣，感情达到巅峰。

母亲做出了如此多如此艰难地努力，才让女儿正常的站在聚光灯下，她不但要隐瞒自己的身份，还费尽心思让女儿吃药上学，想要她改变命运，而真正的父亲却已经到了另外故事线上，和她们永远不会相交了。

这里与其说电影是对电影制作的延伸和致敬，倒不如说是对抚养女儿长大并奉献自身让女儿成为聚光灯下主角的一位伟大的单身母亲的致敬。

在女儿以为自己已经得到了认可，勇敢展露身份却还是受到歧视和不公平的指责时，母亲更是挺身而出和收到感染的伙伴们一起动手配乐，更是将这种勇敢扩大化，将主题再次升华。

每个人都可以成为自己世界里独一无二的角色，他们都能用自己的双手创造属于自己的音乐，不分主配。

当声效小哥在台上质问下面的观众“你们刚刚不也感受到了情绪么，不也为她鼓掌了么”时，我非常奇妙地感受到此刻我作为影院中的观众和影片内的角色们共鸣的感觉，分不出片内片外，台上台下，我们每个人既是角色又是观众，这是一种非常棒的体验。

为了强化这点，影片内还有很多亮点。

首先整部影片强调“情绪”是表演的核心，通过读心器表达，而音乐则是产生情绪的催化剂，很好的把表演和艺术结合，形成戏剧艺术的表面，最后回归于情绪产生的本源，形成电影的核心。

其次片内，导演使用各种剪辑的手段，比如皮肤黑白片画质的处理，剪辑的处理，音乐音效的处理，各种角色的分类，各种名词的新运用方式，以及电影创作中行为的具象化等等，都使得影片内和影片本身进行强烈的互动，给观众穿透荧幕的体验。

另外影片更注重于电影制作和创作上本身的梗，而非我们一开始以为会有的各种电影内容上的梗。

似乎也一定程度上批判了戏剧影视作品粗暴的商业流水线制作方式，角色的鲁莽归类，台词的死板，音效音乐的绑定搭配表现，以及删减删改和谐等等审核过程中出现的问题。

让人在感叹导演的创意时也要不禁唏嘘。

以上种种结合在一起，形成非常强烈的交互感，而且不通过任何外界渠道媒介等模式，仅仅通过影片内容即可达到，实在是神奇而美妙，不得不说在这两个小时内，是真正的戏梦空间。

而在这样的体验下埋藏着的如此真挚的情感，更让人心生感动。

这部影片的设定很有趣。

生活就是一场场被设计好的戏，戏和台词存在与否还将受到更高层级的审查限制。

演员们也分为了不同的层级，世界观的营造还算完善，每个人无论愿意与否都在尽力扮演好自己的角色。

世界里面人们分成主角，配角和废材。

最开始以为是想说社会阶层，有的人在世界舞台上按照自己的意愿改造世界，有的人被拒之门外，只能顺应规则，而有的人被动接受规则，无法在鲜活的生命中留下有温度的记忆与话语，就像是没有情绪，不需要被考虑，只需要完成自己所被分配的所谓使命，就像电视剧里没有背景音乐一闪而过的配角。

人文主义科幻，一种蛮黑色幽默的混合呈现（电影工业的框架、社会分层的现实），东德集体主义式的建筑和规范审美、温和复古的调色。

故事的两条叙事，一条喜欢，一条疲惫。

喜欢的一条是女生对自我身份的追寻、真相的探索、现实生活的建构、与父母关系的重塑，这是所有人都需要经历的命题，个人的认识成长和自由冒险永远打动我。

感到疲惫的一条是电影名《The Ordinaries》,包括从开篇对配角的塑造和边缘的强调，以为是要讲边缘视角的困境和生活的，母亲对于主流生活的融入、对女儿边缘身份的隐瞒、主流父亲对边缘母女的抛弃，都在强化社会分层的规范和价值倾向；可最后的解决呢？

是边缘女儿顺从主流规范并且取得了主流成就…啊，这不就是主流收编边缘的故事吗？

且取得主流成就的她不仅仅是个案吗？

可以成为参考和帮助边缘人群吗？

我完全没有感受到激励，而是很无奈、普通人的无奈、以及塑造普通神话案例的哑然，这对普通你我毫无帮助。

规则改变了吗？

最后大家看似是走向了一种虚无空间，一场「大屠杀革命」都没有改变的社会规范，会被一个少女神启般的行动都击破吗？

太理想主义而失真啦！

如果真的是讲边缘人的普通生活，想到陈英雄的《三轮车夫》，他是这样无望的、危险的、徘徊的，什么也没有改变，一家人最后载着三轮车，依然要在河内艰苦的讨生活。

同时想到《老狐狸》一样，给了普通人的故事失真的解决，却完全省略解决的过程…普通人，是一种什么也未改变。