雷诺阿

Pleasure, warm, blurryNude women with very beautiful skinLights that complements the textureNature's setting busy summer Renoir thinks himself as a workerProduce paintings and products but not some preculier Art that's so specialThis is a healthy mind to be professional, to have high standards but yet sane, and productiveIt's your job to paintSo paintIt's your job to writeSo writeThe pain passesThe beauty remains

一开始雷诺阿比较老气，对他关注不多，但在博物馆也见过不少其大作，自以为对他还算了解。

看完这本画册发现我错了，或者说又是标准艺术史的错，通过代表作认识的雷诺阿并不能真的代表雷诺阿。

完整的雷诺阿由印象派之前的摸索阶段、印象派阶段、回归古典主义阶段和晚期大融合阶段构成，这本画册所精选的作品很好地覆盖了雷诺阿的一生，William Gaunt所写引言文笔极佳，读了好几遍。

老雷诺阿的一生都在作画。

不像梵高那么跌荡折腾，不像高更那么戏剧性，他从画盘子的人开始怀抱着一种使命感一般的拼命画画。

甚至自动排除一切干扰，连跟家庭的联系都不那么紧密，一切交付与妻子打理，乃至于和三个儿子的关系都不亲密。

很多人谈起老雷诺阿，也都在苦恼这位如此中庸踏实的画家实在是没有个性亮点可以引人眼球的，他的爱情故事也显得那么简单朴实——获得以为超级好太太，简直是作为画家的顶级理想一般，帮他料理了所有事情，在他需要的时候出现，在他不需要的时候避开，留下独立空间给她作画。

在这个故事也很多突出展示了这个部分，尤其是画家看着女模特Andree的画的时候说，他一声都画得和孩童一样。

也借导演雷诺阿的话说“他不认为自己是艺术家，他就是一个画盘子的，也不许人家叫他艺术家”。

当然看得出来作者很想draw a picture关于父子四人的微妙关系。

但是很只有一个片段，以至于无法窥见全貌，得知缘由。

老年的老雷诺阿饱受关节炎之苦，但是即便想到过自杀，也要为了画画而努力，节省每一分力气来画画，要画到生命枯竭的那一刻。

"我放弃走路……它用尽我所有的力量，保留这些力量能让我画些画"“当你不能用手的时候”“我会用我的屁股画画”而在最后jean重上战场的时候，他费力自己站起来拥抱了他。

“不要做傻事，孩子”“你也不要，爸爸”对于心比天高身为下贱的女模特Andree,最后嫁于Jean,撺掇导演卖画家的画来拍电影。

虽然我很激动，但是观影时候一个弹幕战实在是太难看了，瞬间觉得还是应该修炼一下涵养。

所以我就不多说了....

皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿，这位法国印象派的大画家，擅长抓住那一闪即逝的光影和氛围。

你瞧，他总是在户外画画，那些作品都充满了生机和活力，让人享受到美的滋味，还能引起共鸣呢。

这部电影呢，讲述的是雷诺阿晚年的时候。

那个时候，他深爱的老婆已经走了，自己又得了关节炎，疼得厉害。

关键是，他的儿子还在部队里受伤了。

这一连串的打击，让他过得可是相当的痛苦。

不过，直到那个年轻漂亮的模特安蝶出现在他的生活里，他才觉得春天又回来了。

可惜的是，回家养伤的儿子也看上了安蝶，这可让雷诺阿陷入了纠结和痛苦之中···这部电影就像艺术品一样，每一帧都像是雷诺阿的油画，那些圆润柔美的女子、鲜艳震撼的色彩、明亮欢快的气氛···但是，从头到尾，都有一股悲伤的情绪在里面，那是每个人都逃不掉的生老病死之痛。

雷诺阿的画作总是洋溢着欢乐，即便在生命的最后，他在病痛中挣扎，这位法国印象派的大师依然热爱生活，用那双颤抖的手创作出了一幅幅美丽的作品。

法国电影的叙事，看似不着边际，没有主题，像散文诗一样，呈现，呈现，后劲却很大。

战争、家庭、伦理。

“我还要进步，直到用尽全力。

”老雷诺阿备受病痛折磨，一直画到生命尽头。

让.雷诺阿成为了著名的电影导演，不会没有老雷诺阿的影响。

这部电影就是一幅印象派作品。

不应该具体而微地抠它的情节和故事。

要退一步来观赏，就像欣赏一幅印象派画作。

老雷诺阿的庄园就是一个世外伊甸园，他的女佣们仿佛伊甸园的仙女。

凡是涉及到雷诺阿的绘画有关的镜头都是那么明快而温暖，连配乐都是流动的节奏，就是一幅流动的光影画，明暗里呈现雷诺阿绘画里对色彩对生命纯粹和美好的礼赞。

女主刚出现的时候，美得那么明快、肆意、清澈，给了雷诺阿无限的创作激情。

然而，当儿子让回来以后，她有了私心、沾了人味儿、在地下舞厅更是落入尘埃，没有了那生命里的灵气。

老雷诺阿在等他的创作激情的回归，然而，她已不再是她。

所以后来一起拍照的时候，她不愿意参加，她知道她已经不属于这个伊甸园了。

让代表的是这个家族的艺术即将进入的新时代，时间即将进入20年代。

聒噪、纵乐、无节制、投机泛滥的20年代。

古典浪漫即将退场，新艺术形式——电影即将迎来新时代。

人们更喜欢这种即时行乐的快感，马上就能知道结局的快感。

最后老雷诺阿在宴会上嘀咕道：这是欢聚还是葬礼？

标志着一个时代的结束，一个时代的开始。

小儿子和老雷诺阿也是一组对照。

小儿子的生命才刚起步，但是他所看到的全是美好生命里的腐烂和死亡，对老父亲创造的美充满了诅咒。

老雷诺阿用朽坏的身躯创造美，留住美，因为“这世间已经充满了不幸、死亡、和朽坏，我不要再添加不幸，我要创造美。

”他混浊的双眼看到的都是美，甚至不允许有任何的对美的破坏。

然而，该退场的终会退场。

“就像一块随波逐流的软木。

”

我喜欢传记片，艺术家的传记片尤其爱。

这部电影有两条线：一是晚年的雷诺阿的绘画；一是小雷诺阿尚和安蝶尔的爱情。

可圈可点的是李屏宾的摄影，画面很雷诺阿。

电影讲述方式有些涩，零碎，行云流水感不足。

米歇尔布凯饰演的雷诺阿是全片的亮点，惟妙惟肖，至少我认为那就是真实的雷诺阿。

我看过一张雷诺阿的黑白照，他坐在轮椅上，变形的手抓住画笔。

片中有很多雷诺阿手部的特写，用布条紧缠着，让人心头一紧。

雷诺阿有一句名言是：我画女人的背，画到可以抚摸的样子，就停下了。

电影里还有一处我非常喜欢：大量的运用风声。

电影的前半部分，几乎几个分镜头之后，就有风声袭来。

加之轻柔的弦乐和钢琴声，整部片子的配乐极其简单，和画面相得益彰。

厨房是电影中的一个经常出现的场面。

安蝶尔在厨房发脾气摔雷诺阿的盘子；仆人们在厨房里合唱关于巴士底狱的歌；厨房里尚和弟弟的对话；尚上战场前和女佣的告别……厨房，是一个家庭最有烟火气的地方。

雷诺阿的儿子小雷诺阿没有成为画家，而是成了上世纪30年代法国著名导演。

他为父亲写了回忆录，最后写道：父亲生前一再关照他们，千万确认他已经死透了，才能入殓。

为什么呢，因为雷诺阿生怕被活活钉入棺材。

片中几处雷诺阿真知灼见的语言，我都截图保留下来。

（短评写不下了，第一次没有匆匆结尾导演的聪明在于 用姓氏来概述这个电影，你说不上来到底是对父亲，还是对jean这个电影大师，亦或是对小儿子的记述，总之就是围绕着这么一家子。

从这个电影里，我开始反省自己的圣母心，正如里面的女模特jean的妻子，我该不该对她抱有不好的评价，看到后来，导演一段话打出来，大概意思说 最后他们两个还是离婚了，但是jean成为了法国电影的启蒙者，他的妻子却被人们给遗忘。

一句话好像看似没有感情色彩，却满满的是导演的惋惜。

于是，我竟然突然觉得，我可能一辈子也不会成为女主那样的人，可能是艺术家，可能是没礼貌，怎样的描述都行，我会倾向于去理解去尊重但不去评价别人的行为和人生，但我，永远要做符合自己价值观的人。

恕我孤陋寡闻，之前从来不认识雷诺阿，也没有欣赏过他的美术作品。

从这部电影中，我隐约窥见了一点点他的人和作品。

电影讲述的是晚年的他、家人和女模特的生活故事，故事从头到尾没有特别大的起伏波动，一条主线是他儿子和女模特的爱情故事。

电影的画面很美，像一帧帧油画一般清晰呈现，我很喜欢这种细水长流、娓娓道来的电影，让人内心很平静😐

电影也在通过一些细小的情节展现当时的时代背景，当时正处于世界大战期间。

相比于战争，雷诺阿的生活环境更显得平静如水、悠然自在，这样也有利于创作出好的作品

每个人都是独立的个体，独立的人格，独立的思想。

影片似乎描绘了太多东西，但不得主旨。

剥离主旨，这就是我觉得的。

蝶，她真的如蝶一般，唯美，但你靠近她，她仍然媚俗，心机，自私，放荡，自以为是，热辣，却又真挚。

她有她自己的价值观，她并不合全部人的美。

每个人都是这样，生命里的经历和遗传，造就了人格，小儿子，应更甚了家庭的因素。

在这一个大家庭里，父亲负于盛名之下，人们性格不一，相处半生的佣女们，孤僻执着软懦自恃的父亲，孩子和已逝的母亲们。

父亲是人们口中的艺术家，这个家庭的矛盾性并不一般。

父亲要画年轻的裸女，安蝶应聘作为被画的对象，闯入了这个家庭。

刚见面时，安蝶问雷诺阿对他的意见，雷诺阿，说这女孩不知从哪派来的，地狱来的吧。

父亲与儿子们的偏见，群居的人与人价值观的碰撞，日常平淡的讲话，郑重、准备好的、仪式感的谈话。

电影似乎并不想讲什么主旨，只是缓缓地平铺这个时间下的人们的人生过程。

第二个儿子最后和父亲谈话，父亲强忍着拼命从轮椅上坐起，与儿子拥抱，不要做傻事孩子，他这样轻声地说道，你也不要爸爸。

雷诺阿早提及自杀，肉体的痛苦，心灵上的折磨，他拼命地绘画，这是他最后的热爱和信念，在人生的暮年，身体或许已腐朽不堪，肉体已支撑不了他活下去，我们却始终愿意相信，灵魂深处的力量。

也许作为父亲，他不合格，也许他也力不从心，他也百感交集，面对就要离开的孩子，只能轻轻叮嘱，不要做傻事，孩子。

什么是傻事？

不同的人，不同的阶段，我们无法定义。

它是人们普世意义上的关切叮咛，但我更愿意相信，这是一个普通老人迟暮时对孩子的理解.我说我理解你，不用言语。

我们看到影片中的和谐与冲突，灵与肉，自私和无私，个人的理想信念，世俗的普世价值观，无时无刻不在矛盾中碰撞，揉并。

电影展现了伟大艺术家，人生暮年，仍作为人的苦痛欢欣，每个人，和普罗大众一样的情感与羁绊。

雷诺阿曾问安蝶，你是谁？

我是艺术家，安蝶说。

生当何意，死自成独.

雷诺阿的晚年像一具被风湿病啃噬的枯木，连握笔的手都要用布条缠紧才能勉强作画。

电影里那些手部的特写镜头，几乎要让观众跟着疼痛起来。

但正是这样的手，在安蝶尔的肌肤上涂抹出珍珠般的光泽，在画布上流淌出蜂蜜似的暖黄色调。

像荒诞的悖论：当生命被病痛蛀空，艺术却愈发饱满得溢出汁水。

导演太懂如何用光影说谎。

他把雷诺阿的肉体困在轮椅与绷带构筑的牢笼里，却让他的灵魂乘着南法的阳光飞驰。

那些明晃晃打在安蝶尔胸脯上的高光，那些在树荫下碎成金箔的光斑，与其说是印象派的技法复刻，不如说是对生命力的抢救——当现实世界被战争、死亡与衰老的阴霾笼罩时，只有画布上的光能透出丝丝氧气。

安蝶尔，一剂让父子同时上瘾的毒药，这个穿着赭红色长裙的姑娘，简直是把整个时代的野性都穿在了身上。

她可以一边裸着身子当模特，一边对着雷诺阿的儿子让冷笑：“你以为你父亲画的是我的肉体？

他画的是我眼睛里的火！

” 果然，当让从战场拖着残躯归来时，父子俩在同一个女人身上看到了截然不同的救赎：老雷诺阿需要她的肉体作为颜料搅拌器，把痛苦榨成美的汁液；而让需要她的叛逆当作止痛针，好暂时忘记战壕里腐烂的断肢。

当我们谈论艺术时，我们在逃避什么？

电影里最震撼的并非那些油画质感的镜头，而是雷诺阿对死亡的狡黠抵抗。

他叮嘱儿子们“千万确认我死透了再下葬”，生怕被活埋的黑色幽默背后，藏着艺术家最深的恐惧：停止创作才是真正的死亡。

于是我们看到他在画架前像个偏执的西西弗斯，用颤抖的笔触一遍遍推着美的巨石上山，哪怕每一次抬手都像在受刑。

而安蝶尔呢？

这个被父子俩当作缪斯与解药的女人，最终头也不回地奔向了银幕——她成了让·雷诺阿电影里的女演员，把肉体之美转化成另一种永恒。

这或许才是艺术最吊诡的真：我们借它逃离现实的泥沼，却又被它钉进更华丽的标本框。

导演用近乎残忍的温柔诉说：美从来不是轻盈的馈赠，而是血肉模糊的希冀。

就像雷诺阿说的：“我画女人的背，画到可以抚摸的样子，就停下了。

” 可他永远画不到真正的停笔，因为美从来不是狗屁的终点，而是偷窃生气的梯子。