扫毒风暴

在看电影的过程中，我在n多个瞬间都忘记了我在看一部电影。

电影里面的角色跟我做着一样的事，有一样的焦虑，一样的困惑。

这不由得让我很想知道，既然1994年的学生和现在的学生都有着一模一样的莫忙和困惑，那这个时代和这个时代的教育，到底算是进步还是退步呢。

电影里零碎的叙事和看似连贯实则没头没尾，无法连续的感觉都跟在学校里一模一样。

角色每天做着和我现实中一样的事：抽烟、做作业、被骂、翻墙、外出写生、接活、去长江大桥。

不加修饰的非专业配音和毫无光彩的眼神更是加深了真实的感觉，再时不时的穿插一些南京的街景，看电影的时候真的在恍惚了。

恍惚间我就在学校里，恍惚间这段时光可以一直持续下去，恍惚间以为离毕业还很遥远。

在校园里看似发生了很多事情（无论是现实还是电影），比如打架挨处分，谈恋爱未遂，探讨艺术和未来，喝酒抽烟做作业被骂。

但结尾又落在了，周围人好像都找到了以后的路但我还是回到了画室面对着被骂的作品拿起笔的那一刹那。

看完整个电影我只有一个感觉：这就是我虎头蛇尾的大学生活。

本片为观众们展开了一幅充满怀旧气息又富含深刻思考的青春与艺术交织的画卷。

本片摒弃了传统动画追求的特效奇观与高潮不断的叙事模式，而是采用生活流的叙事结构，以国画系学生张小军的视角为主线，串联起艺术学院中一群美术生和音乐生的校园生活片段。

从日常的课堂学习、画室创作，到宿舍里的闲聊打闹，再到与音乐系女生郝丽丽若有若无的青涩情感，以及与同学们关于艺术的激烈探讨，这无数的琐碎而真实的生活场景被一一呈现。

导演通过细腻的情节设置，将那个时代艺术青年们的迷茫、困惑与梦想追求展现得淋漓尽致，让观众们仿佛亲身走进了 1994 年的艺术学院，沉浸式感受着那段充满烟火气息的青春岁月。

片中国画系张小军对现代艺术的质疑与追问，反映出当时艺术青年们在面对艺术观念革新时的迷茫与思考。

他们在不断尝试与探索，试图寻找属于自己的艺术表达方式。

同时影片还精准捕捉了青年们在毕业前夕面临人生抉择的迷茫与困惑：是追求学院派艺术性，还是投身商业性创作？

是出国深造，还是留在国内发展？

不同的角色做出了不同的选择。

这些情节深刻地揭示了青春成长中理想与现实的矛盾冲突，以及年轻人在困境中寻找自我、实现价值的艰难历程。

本片还巧妙地将时代背景融入其中。

上世纪 90 年代，中国社会正处于变革发展的关键时期，经济腾飞，文化艺术领域也呈现出多元开放的态势。

艺术学院的青年们既享受着思想解放带来的自由创作氛围，又不得不面对时代变革带来的现实挑战。

他们的故事，是那个特殊年代下青年群体的一个缩影。

本片采用了极具复古感的色调，呈现出一种淡雅、质朴的风格，完美契合了 1994 年的时代氛围。

古色古香的校园建筑、充满年代感的宿舍布置等等，都能瞬间将观众拉回到那个充满回忆的年代。

一众实力配音演员的精彩演绎，为各个角色赋予了鲜活的生命力。

董子健精准地把握了张小军这一角色的性格特点与情感变化，将张小军的天真、迷茫以及对艺术的执着追求诠释得淋漓尽致。

周冬雨用她轻柔而富有感染力的声音，展现了郝丽丽内心的温柔与坚韧，以及在面对家庭与爱情困扰时的无奈与挣扎。

Papi 酱大大咧咧的语气与高红豪爽大气的性格相得益彰，生动地塑造出一个充满世俗力量的音乐生形象。

2025年6月21日 星期六笨重的甲虫在向上爬，跌落，再爬，再落，再爬……一定要成功，我在心中默念。

影片结束的时候，再想起这个开屏的场景，不由得发出疑问——我到底在期待什么？

以及作者为什么要把这部作品带给观众？

自从2024年4月20日看过《大世界》被灰绿色的70年代氛围和粗犷的作画风格吸引，就一直期待着刘健导演的新作。

于是《艺术学院1994》上映当天上午10点就去看了，但是看完惹了一肚子火。

首先是这个故事和前作完全不同，比起说是在讲一个故事，更多像是导演自己的大脑切片，是他自己的经历和回忆录。

一切都显得太过现实——主人公们在青春中迷茫，不断向身边的人、向自己、向空白的画布和蓝天追问，问什么是艺术，问什么是未来，问看得到看不到看得懂和看不懂的所有的事。

求问是一个过程。

于是这部作品就和记忆中的青春一样，没有结尾，没头没尾。

第二是影片分了明显的上下篇，但是由于篇幅限制或者是上映审核，下篇观感非常的奇怪。

就像是一辆载满了大西瓜的卡车，一路颠簸一路高歌，突然方向盘失灵，眼看着瓜果滚落炸裂、爆出红色的血浆，只能在驾驶位捶方向盘大喊：都TM全完了！

第三是我真的看不懂关键角色的心路历程：什么声乐系第一就突然下海当舞女了，怎么纯洁女神就和有钱男的跑国外了，呆呆的室友上哪就整个阳光开朗女朋友，还有张小军你不挺牛吗，面对喜欢的人怎么一句话都说不出来？

这个故事真的，你上天涯论坛发发就算了，不用特意搬到大荧幕上，让观众坐在椅子上两个小时听你说。

后半段我真的是就靠揪我自己的头发，强行集中注意力在那看。

当然，如果我真的不喜欢这部电影，也不会为了它写这么多字。

整部作品最爱的是它的声音，包括配音和所有的采样。

配音其实不用说了，全明星阵容，找的全是演员和知名艺术家，每个角色，哪怕是只出现了两次的配角女室友，都特别特别个性鲜明、真实可触。

黄渤是真的逗，一听他说话就想乐；董子健的声音也超级有磁性，但是好像很久没看到他的影视作品了。

环境音真的有在特别用心去还原：在操场能听到广播朗读诗歌，过一会又有失物招领，说有人捡到一个饭盒；在宿舍里能听见隔壁咳嗽，在宿舍外能听到有人在看足球比赛，情绪激动往楼下扔啤酒瓶子；还有开头提到的甲壳虫，摔在地面，蹬着脚想翻身的窸窸窣窣的声音。

如果我有盲人朋友，一定会推荐TA去听一听这部作品。

或许私信发给那个盲人脱口秀演员吧，等会儿就这么干。

声音之外，或许也是因为题材的原因，作画和情感的细腻程度也比《大世界》要好，前作经常是一个镜头，展现人物停滞思考，下一步直接就是行动。

这一部在保持原有风格的基础上，要流畅很多。

大场景的绘制比如大桥夕阳、晴空蓝天、河和海边，也都特别美，大量的主观镜头，加上影院的大屏幕加持，其实代入感是很强的。

最后聊聊内容吧，作为被所谓的“南方艺术学院”拒之门外的、艺术史学的一知半解、始终对美院怀有滤镜的我，看这部片子常常有一种莫名其妙的熟悉感，它抛出了很多问题，还都是一些终极追问。

在这里，我挑了三个最关键的问题，整理了D教授的回答，结合自己的理解，以供大家参考。

01什么才是艺术，由谁来决定？

从问题本身看，涉及两个层面：一是艺术的本体论（什么是艺术），二是艺术的价值判断（谁来决定）。

历史上无数哲学家争论过这个问题，从柏拉图的模仿说到杜尚的小便池，艺术定义一直在被颠覆。

首先回答第一个问题，什么是艺术？

传统的观点中，模仿说认为艺术就是对现实世界的模仿，比如古希腊艺术和文艺复兴的绘画；技艺说认为艺术需要高超的技巧和精湛的手工艺，也有人说艺术就是要创造美、和谐和崇高。

现代主义的观点对传统有挑战，形式主义拥护者认为艺术的价值在于其本身的形式元素，而非模仿或叙事；也有人认为艺术的核心在于艺术家内在的情感或观念；还有更加叛逆的观点，认为艺术价值就在于对传统的突破、挑战既成的规范。

后现代与当代艺术则展现出更为多元的取向：观念艺术将核心置于概念或想法的传达，认为媒介与形式可以无限拓展；批判性艺术则明确将艺术定位为社会、政治与文化批判的利器；与此同时，观众体验被前所未有地强调，互动与参与成为重要维度；多元文化与边缘群体的艺术实践也获得了前所未有的认可，挑战着传统的西方中心主义艺术标准。

总之，艺术是在特定历史和文化语境中被认可为艺术的事物或实践，其边界和定义持续演变着。

第二个问题，是不是艺术，由谁来决定？

其实决定权属于一个动态的权力网络，涉及艺术家、机构（博物馆/画廊）、评论家、市场（藏家/拍卖行）和公众的互动、协商与共识形成。

首先，艺术家拥有最初的创作意图和宣称权，可以说自己创作的就是艺术，但是至于其宣称是否能被接受，还要取决于其他因素。

第二是艺术机构和专家，馆长与策展人能决定哪些作品被展出；艺术评论家和理论家会阐释作品的意义和价值，影响公众和其他专业人士的理解；艺术史学家能通过历史研究，构建艺术发展的谱系，确定经典和标准；艺术学院和教授能影响和塑造下一代艺术家和艺术观念。

第三是市场和收藏家，画廊与艺术经纪人能推广和销售作品，影响艺术家的知名度和市场价值；拍卖行能制造市场热点和价值标杆（尤其是金钱价值）；收藏家的购买偏好更是直接影响了艺术家的生存和市场地位。

第四就是公众和社会，普通观众通过参观、讨论和消费衍生品，能影响作品或艺术家的普及度和文化影响力；社会思潮、政治环境、科技发展也深刻影响着艺术作品的形态和被认可的标准。

综上，艺术的决定权是流动的，没有任何一方有绝对的权利，各方在艺术场域不断协商、竞争甚至是冲突，共同描摹出艺术的形状，但是公众的接受度一直是艺术“合法性”的重要基础。

02艺术是不是表现美的，什么是美？

这个问题指向的是艺术与美的关系，以及“美”本身的定义，是美学史上最核心的争论之一。

可以从两个层面来解析：首先，艺术是否必须表现美，答案是否定的。

经过漫长的发展，艺术的核心功能已从单纯追求“美”扩展至表达观念、批判社会、传递情感、创造体验等多元维度。

美可以是艺术的一种结果或手段，但绝非其必然属性或唯一目标。

当然，从古希腊到19世纪，“艺术即创造美”是主流观念。

但19世纪中后期现代主义带来了冲击和转折，表现主义和象征主义认为，艺术可以表现痛苦、扭曲、丑、荒诞等强烈情感或内在真实，“真”有时比“美”要更重要；形式主义关注线条、色彩、构图本身的逻辑与张力，超越了对传统“美”的追求；先锋派更是刻意反叛，拥抱偶然、粗粝和现成品。

二战后，后现代与当代艺术，让美被彻底解构和多元化。

观念艺术认为核心是传递思想或者提出问题；批判性艺术认为首要目标是社会政治批判，经常采用令人不适、震惊甚至是丑陋的形式来表达以达到警醒效果；多元文化视角下，承认不同的文化具有独特的审美体系，比如承认非洲面具的力量美，日本侘寂的残缺美等等。

同时，在当代艺术中，仍然有大量的作品追求视觉愉悦或感官体验，但是“美”已经不再是必须或者唯一的标准。

至于什么是“美”，并不存在定论，但有以下主要理论流派。

客观主义者认为，美是事物的固有属性。

古希腊毕达哥拉斯、柏拉图认为，美在于数学比例、和谐、秩序，或是“理型”的显现；中世纪体现神圣秩序，认为美是上帝光辉的反映；启蒙时代人们试图寻找美的普遍法则，如对称、均衡、统一。

主观主义者认为，美存在于观者的感知。

“美不是事物本身的属性，它只存在于观赏者的心里。

”大卫·休谟认为美源于个体的经验、情感、联想和文化背景；康德提出“无目的的合目的性”认为美感是不带功利心的纯粹愉悦感。

关系论＆情境论认为，美并非纯粹客观或主观，而是特定对象在特定文化、历史、社会语境中被建构和认可的价值。

美的标准也随着时代、地域、文化、群体不断流动，例如如唐代以丰腴为美，宋代转向清瘦；不同文化对肤色、体型的偏好差异极大。

美的类型也是多种多样的，比如“优美”普遍和谐、精致，令人愉悦；“崇高美”往往是巨大的、令人震惊敬畏甚至是恐惧的；“悲剧美”通过苦难展现人性的深度与尊严；“荒诞/怪诞美”打破常规，能引起震惊、幽默、反思等复杂的反应；“不完美之美”则欣赏残缺、短暂、质朴等特点。

总而言之，“美”既是感受也是判断，涉及感官愉悦、情感共鸣、智性认知（理性思维、抽象能力、概念化和批判性反思）和文化认同。

不存在放之四海而皆准的美的标准，它深深根植于文化背景、历史语境和个人经验。

理解美，关键在于理解其背后的文化密码与时代精神。

03艺术作品究竟是要展现个性还是追求共性？

艺术作品的“个性”与“共性”并非二元对立，而是处于一种相互缠绕的动态平衡。

从历史视角来看，艺术作品已从“共性规范”抵达“个性解放”。

在前现代艺术中，共性处于主导地位，宗教艺术服务于教会，宫廷艺术往往要遵循贵族的趣味；现代主义革命推动艺术的个性觉醒；后现代至今的艺术，则正在重新发现共性。

例如观念艺术选择用共性符号批判社会，参与式艺术让观众共创以消解作者的权威；身份政治艺术用个体经验为群体代言。

从共性和个性的辩证关系来看，可以拆解为四个层面：1）在创造动机上，艺术创作往往始于艺术家强烈的个人冲动——表达独特的情感、体验、观念、梦境或对世界的个人观察，这是一种内在的、不可替代的驱动力。

然而，即使是极其个人化的表达，其动机深处也潜藏着与外界沟通的渴望。

艺术家希望自己的感受、思考能被理解、被共鸣。

同时，也会自觉或不自觉地回应其所处时代的社会思潮、文化议题或集体经验。

2）在形式语言方面，艺术家通过独特的风格、技法、符号或媒介选择来确立自己的“艺术签名”，这些形式语言是艺术家个人视觉思维和艺术理念的外化，具有高度辨识性。

然而，个性化的形式语言并非凭空产生，它建立在艺术家对既有艺术语言的深刻理解、学习甚至反叛之上。

艺术家需要掌握一定的“语法”（如色彩理论、构图法则、材料特性、艺术类型惯例等）才能有效地、甚至颠覆性的进行个人表达。

3）从接受效果看，作品的独特个性（强烈的个人风格、新颖的形式、与众不同的观念）往往是首先抓住观众吸引力的关键。

然而，作品是否能打动人心、产生深远影响，关键在于它是否能超越个体经验，触及某种普遍性。

当观众在艺术家个人化的表达中辨认出自己也曾体验过的感情，或在艺术家对特定群体和社会现象的关注中看到自身处境的映射时，深刻的共鸣（共性体验）就产生了。

4）从历史价值的维度来看，艺术史的进步往往由那些敢于打破常规、展现强烈个性的艺术家推动，TA们挑战甚至重塑了既有的艺术标准（旧的共性）。

但这些具有革命个性的作品，其历史价值最终在于它们成功回应或者重新定义了其所处时代的核心精神议题、集团困惑或美学追求（新的共性）。

总的来说，艺术的本能是个性的，无个体视角的“艺术”只是装饰或宣传；艺术的生命在共性中延续，无法沟通的“个性”最终会沦为空洞的呓语。

伟大的艺术往往是个体灵魂的彰显，却让所有人在其中照见自己。

04综合以上三个问题和答案，我们终于可以更好的理解《艺术学院1994》。

它的表现形式是高雅的，故事内核是庸俗的，但是确实能调动我们心中关于青春的回忆和体验，甚至能让我们在这个高速的时代重新坐下来讨论“什么是艺术”，就已经可以了。

最后，结尾的黑底白字不用看，但我也不认为真正的结局是与其相反的。

给我信心的主要是片尾崔健的音乐《快让我在这雪地上撒点野》。

结合前面主人公的台词，痛苦才能催发出艺术，在这个漫漫雪夜，我相信，又一个国画大师，诞生了。

另外，真的想说，我到底什么时候才能结束对长发文艺男的迷恋啊！！！

张小军，你明天有空吗？！

编后语：笑，我要是把以上内容背下来，穿越回大三，说不定就有勇气去参加“南方艺术学院”的考试了。

叠甲：没有写过影评，第一篇不像影评的影评，献给最亲爱的《艺术学院1994》。

刘健： 2016年，我回到自己阔别二十多年的母校，整齐而崭新的混凝土建筑把我挡在了过去和现在之间，记忆一下断裂。

这时候有人叫我的名字，回头一看竟然是当年的老师，已然满头白发的他和嬉笑着的几位年轻学生站在一起的那一刻，我忽然感受到了时光的残酷。

由此，我开始酝酿这部电影。

《艺术学院》的故事发生在上世纪九十年代的中国。

那个时候，当代艺术在中国刚刚开始，中国的经济指数也还未飙升。

人们的生活忙乱而平静，大家对新的一切即充满好奇又惴惴不安。

艺术学院里活跃着这样一群年轻人，他们意气风发、年轻气盛；他们热爱艺术、憧憬爱情。

他们和整个社会一起在探索、在成长。

他们中的每一个人都要面对现实的考验，并最终做出自己的选择。

这并非一部怀旧电影，它只是想和每一个年轻的生命，以及每一个或许表面老去但内心依然年轻的人，共同感受生命的美好和艺术的美丽。

自嗨之作，胜在真诚。

导演舍弃了许多枝节，专心做艺术学院的故事，故事重心是音乐与绘画系的男女，与他们相关的都是分枝，比如后半部分兔子的女朋友，他的老婆香玉。

人物对话很有意思，符合时代和人物特性，艺术是什么，艺术有什么用，谁能决定是艺术，艺术要追求个性，艺术必须有用吗…文中探讨了种种问题，但导演没有给唯一答案。

我反而很喜欢校长那句话，从这个地方走出去，能走到哪里，还是这里。

张小军和郝丽丽的故事很现实 他们的相处让人会心一笑，面对心仪女孩子的张小军，三棍子打不出一个屁，让人心里发急。

丽丽内心有些成算。

高红急公近义，言语犀利，但容易被爱情蒙蔽。

绘画系追求艺术，音乐系追求自由和爱情，如何追求艺术？

是坚守贫穷还是挣到钱再追去艺术，张小军和林给出自己的回答。

前半部分诙谐幽默，有些恶俗，这就是艺术生干的出来的事。

迷茫大学生干的出来的事。

陈粒歌声之后，大学生毕业在即，故事转入平淡和分离，兔子和老婆搬出宿舍，丽丽回家，高红地下驻唱，分手的分手，在一起的在一起，考研的考研，工作的工作。

这就是他的青春，导演只是展示给我们看。

我喜欢结尾的空空的足球门，故事结尾，就该有个足球门。

电影入围柏林电影节主竞赛单元，将1994年那个特殊历史节点重新唤醒—当中国经济开始腾飞而文化思潮暗流涌动之际，一群艺术青年在理想与现实之间摇摆、困惑与坚持呈现出来。

不论哪个年代的大学生都会与电影中的人物面临一些相似的困惑，能在电影中和自己产生很多共鸣。

影片结束后最喜欢电影中的一句台词就是“任何自由都是有边界的”。

迷茫不是青春的特权，而是艺术永恒的起点，在不确定中寻找意义，正是艺术创作最本质的生命力。

刘健导演在影迷圈被称为“PPT动画导演”。

2017年，他的动画电影《大世界》获得金马奖，从而为大众所知。

《艺术学院1994》是导演的自传电影，南方艺术学院就是导演的母校南京艺术学院，张小军就是导演本尊吧。

这个电影很传神地还原了七零后象牙塔中大学生们的生活状态、精神状态，观众们会感受到一种矛盾：艺术是理想的，是高贵的同时也是模糊的；金钱是现实的，是庸俗的同时也是清晰的。

导演会为自己的初恋被南大研究生抢走而耿耿于怀，这也是南大学子在大银幕上被黑得最惨的一次，没有魅力，土得掉渣，连名字也叫吴英俊，但人家去巴黎留学了，初恋也就这样被拐走了。

导演将这种怨念通过高红与郝丽丽的争吵发泄出来，但高红也是需要钱的，否则她也不会去酒吧当驻唱歌手，也不会接受有妇之夫的追求……某种程度上，她只是嫉妒郝丽丽的得来全不费工夫吧。

这种矛盾与纠结，最终会被轰隆而至的市场经济列车碾个粉碎。

可以看出，导演深爱南京这座城，片中可以看到明孝陵的石象，玄武湖的晚霞，紫霞湖的正气亭、西南水塔，南京长江大桥，下关码头，南大汉口路大门、北大楼，甚至还能听到紫金山的钟声，作为半个南京人，很开心。

夏天的浓烈又开始弄皱肌肤，皮肤大面积的裸露，这是一个应该原谅背叛，月亮和分别的季节。

我们如此年轻，应该趾高气昂。

每年的六月，都是分别的季节，在燥热的风中，葡萄架悄然结果，在风中送来一首诗歌，送别默默暗恋的那个人。

坂本龙一说，人生能有几次满月，其实那种时刻，是屈指可数的，看满月不过20次。

你还记得你的满月么？

在这个分别的残忍的月份。

我们中国人所有重要的时刻，似乎都发生在6月，中考、高考、毕业，每次的毕业，可能也有一次失恋。

你会不会为了拥抱你暗恋的那个人，而去拥抱所有人？

夏天使得我们发酵，在燥热中变成更加甘甜或苦涩的奶酪、酒精、汗水。

我们在阳光下，丢失了爱人。

最近看了这部很不火的《艺术学院1994》，电影有些缓慢，像是上个时代的产物，每一帧画面都精雕细琢，后面听说是中国美院团队的手笔，我对那个时代并不了解，1994年，应该是一个文艺作品百花齐放的一年，无数电影争奇斗艳，1994年的文艺青年也要迎来他们的毕业季。

故事里的画面很美，飞舞的蜻蜓，逃不出这个夏天，硕大的甲壳虫，美的像一只精密的手表盘。

年代感的海报、画画的人。

故事里的年轻人，和我们一样迷茫、贫穷，欲望很大，又好像欲望很轻，渴望爱情，又在爱情来临的时候畏惧，驻足，犹豫。

故事里的他爱上了那个跟在美丽女孩，平平无奇的她，她说话温声细语，不引人注意，她戴着眼镜，也不敢和人过多对视，她是个乖巧的女孩，好像从不会做出格的事情，她很平凡，好像也胸无大志。

她跟在漂亮的朋友身边，总给别人情绪价值”你要开演唱会，我就给你伴奏，咱们还能省钱呢。

“有人天生追赶聚光灯，有人，却好像天生为躲避聚光灯而生。

这样的女孩，为什么会成为故事的女主角？

而且是在一个艺术学院，大家都迷茫，虚无，不知何去何从，满腹牢骚，理论，欲望，和单纯。

她是郝丽丽，一个不见得多么出色的女孩。

他对她一见钟情，他约她去大桥边，听火车经过的声音。

因为见到她的相亲对象，而在人群中喝醉了酒。

她也同样暗恋他，细小的声量里，有几句都在打探他。

可是他们却没有在一起。

在分别的前夕在浓重的雾里，在体温的上升空间里，在花香中，在哭笑不得的离别中，在呕吐物中，在那些陈词滥调的艺术理论中。

他们都没有告诉对方：”我爱你

本作之前只看过导演的前作《大世界》，看到画就想起了当时那部电影。

对导演的生平一开始毫无了解，只是看前作的时候约略知道他的工作方法，这部明显参与人员多了特效也多了，使得前作的ppt穿插真实视频的情况没有了，甚至前作的七十多分钟，到了这部能两小时了。

但是当我看到两个男大，大晚上喝完酒对着墙pee的时候，忍不住查了，果然和导演本人履历强相关。

不理解但凡男导演包括但不限于追忆青春/追忆友谊/事业刚起步/上升期/大展宏图之际……都要拍一组背对镜头的包括但不限于对墙/对旷野/对对家（？

）的pee镜头，为什么？

是某种雄风展示必打卡姿势？

男性气概试金石？

不管是什么，我现在看到这种镜头，就直觉导演正在一种追忆自己似水年华的自恋之中。

当然知道他想讲当时的他和他们，艺术学院和关于艺术的讨论，在风起云涌的年代年轻人又如何抉择。

但是实在很少我喜欢的段落，比如预告片里那段，比如仁科配音的那个角色的段落，他本人的特质几乎突破了2D的限制直接呈现，比如前半女孩子们的情谊，但是整个故事聚焦的沉默的忠于内心的艺术的男主我并不十分关心，他戴上耳机屏蔽掉电影中其他角色的时候，也屏蔽掉了观众。

而女孩子们，没料到最后是这样的分散方式，让我觉得她们没有真正的成为朋友过，因为没有真正相互的理解和关心，她们的眼里从头到尾都只有自己，使得前面的友谊也浮在云上。

也许这部电影只是导演和艺术生们的共鸣之作，我是看个热闹的路人，看看就过。

最后，音乐不错。

终于去看了艺术学院1994。

期待很久，但困于网络评价，去之前还是心里打鼓的，但是好在看完观感很好， 不懂中途离场的原因是什么？

这部电影最可贵之处在于，导演已经“一把年纪”，快退休的人，在杭州从教多年，早已名利傍身，按理说站在了学生的“对立面”。

可依然能有这样创作的活力，提出这么多幼稚、愚蠢的问题，设计这么多可爱的台词。

这多么难得啊！

有多少大学老师在从教后慢慢忘了自己做学生时的冲动、好奇、那种对未来的渴望和追求，那种懵懂的、无知无畏的感觉。

网上很多人说这部电影“全是私货”，是“矫揉造作的文艺青年大集合”。

私以为非也。

首先从我对现场观众的观察来看。

这些所谓文青“装”的名词并没有在观众中引起反感，如果你对培根等人稍有了解，看过几本“包法利夫人的情人”，只会觉得这些词语如喝水一般，并非有故“装”之嫌，何况这是94年的艺术学院，这对于片中的人物来说更是如呼吸般正常。

更令我惊喜的是在场有不少导演年纪的观众，他们也沉浸在电影中，甚至在一些笑点里，他们笑的更大声。

这部电影不仅是一段短暂的乌托邦，更不能简单说成是导演的自嗨。

更像是一名专业教师以一种浪漫的手法向年轻人们做的一场讲座，如何葆有初心？

如果世界少了这些艺术的人，生命也真的失去了一些意义吧。